Juan José Martín

BUENAS NOCHES, MAMÁ---desde el próximo 5 de noviembre

2010-10-16T20:03:00.003-04:30

Jessie tiene cuarenta años, es divorciada, epiléptica y madre de un adolescente difícil. Vive con su mamá, Thelma, una mujer cuya vida gira en torno a unos pocos placeres sencillos: tejer, comer dulces y ver televisión. Es una noche de sábado como cualquier otra. Jessie ha tomado una decisión y, calmadamente, se la comunica a Thelma: después de hacerle la manicura a su madre, se encerrará en su habitación y se pegará un tiro con la pistola de su padre.

Así comienza BUENAS NOCHES, MAMÁ, obra en un acto ganadora del prestigioso Premio Pulitzer en 1983, escrita por la autora estadounidense Marsha Norman. Una historia inclasificable y conmovedora que mezcla el melodrama, la comedia negra y una inteligente meditación sobre las relaciones maternofiliales, la enfermedad, la vejez, el suicidio, la soledad y la muerte.

La nueva producción de Hebu Teatro cuenta con las actuaciones de Diana Volpe (también productora) y Dad Dáger, quienes asumen la responsabilidad de una puesta en escena enteramente sostenida por su entrega, la precisión en la ejecución de las acciones, su compromiso emocional y la inteligencia para los matices, las dolorosas ironías y los contundentes silencios. El espacio escénico de BUENAS NOCHES, MAMÁ es una creación hiperrealista de Oscar Salomón, el vestuario ha sido ideado por las mismas actrices, y la iluminación y la dirección general son de Juan José Martín. La producción general es de María Gabriela Díaz. La asistencia de dirección ha estado a cargo de Carola Vidal.

Las funciones de BUENAS NOCHES, MAMÁ serán del 5 de noviembre al 12 de diciembre en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, los viernes y los sábados a las 9:00pm y los domingos a las 7:00pm. La entrada general tiene un valor de Bs. 70,oo.

Fotos y procesado: Juan José Martín

p r o n t o

2010-08-28T11:10:00.001-04:30

Doble Premio Municipal 2010

2010-06-27T15:03:00.001-04:30

Esta semana recibí la noticia de que CUARTETO, de Müller/Arocha, fue ganadora de cuatro Premios Municipales de Teatro 2010. Fuimos reconocidos Orlando Arocha (mejor director y mejor escenografía), Joaquín Nandez (mejor vestuario) y Juan José Martín (mejor producción). También recibió un reconocimiento VENEZUELA GÜELE A ORO, con una Mención Especial a la Mejor Producción de Teatro Académico. Bienvenidos los premios, sobre todo si sirven para reflexionar sobre el futuro del teatro, o, mejor, sobre el teatro que haremos en el futuro: porque siga siendo importante (para otros, no para mí) hacerlo.

A C H I C O R I A S, de Carlos Be [Lectura dramatizada]

2010-06-27T12:32:00.003-04:30

El viernes 14 de mayo de 2010, y en el marco del ciclo de lecturas dramatizadas Nueva Dramaturgia Catalana, organizado por Vladimir Vera para Teatro Forte, hicimos una aproximación muy experimental a un texto duro, hermoso, difícil y poético sobre la violencia contra la mujer: Achicorias, de Carlos Be [http://carlosbe.blogspot.com].

Este es un testimonio fotográfico de Arnaldo Utrera.

Alexander Leterni interpretó a todos los personajes,

mujeres y hombres, víctimas y victimarios.

Phalon Morón realizó el maquillaje.

Yazel Parra hizo la asistencia de producción.

Fotografías de CUARTETO, de Müller/Arocha

2010-06-26T23:48:00.000-04:30

Una selección del reportaje fotográfico de Nicola Rocco

[photomanifiesto.blogspot.com]

CUARTETO, de Heiner Müller [Nota de prensa]

2010-06-26T23:34:00.000-04:30

A partir del viernes 16 de abril, el público caraqueño podrá disfrutar del espectáculo Cuarteto, una muy creativa puesta en escena de Orlando Arocha del texto del dramaturgo alemán Heiner Müller, interpretada por Diana Volpe y Ricardo Nortier.

El lugar: una mezcla de salón francés anterior a la Revolución y un búnker de la Tercera Guerra Mundial. El momento: un presente enfático. Cuarteto se sirve de los personajes de Las relaciones peligrosas (novela epistolar de Chordelos de Laclos, adaptada con mucho éxito al cine) para hablar, arropado en una estética violenta y desgarradora, sobre los límites de la conciencia humana y los términos de su destrucción. Durante hora y media de función, los personajes ejecutan un paradójico ritual de inmovilidad: al tiempo que se desean furiosamente, se agreden con indiferencia; al tiempo que se bestializan, se perfilan desesperanzadamente sus diferencias de sexo; al tiempo que ceden a la fatal esclavitud del placer sobre el cuerpo, se dejan sensualizar por la razón ante la inminencia de una catástrofe social.

Pero Cuarteto es también una feroz crítica al poder, al cual parodia y deconstruye en un delirante juego de reemplazos (los actores interpretan alternadamente a Madame de Merteuil y al Conde de Valmont y a otros personajes de la historia), con implicaciones ontológicas desastrosas y cómicas a la vez: no existe un “sí mismo” sin “el otro”. En palabras del crítico mexicano Fernando Solana Olivares, Cuarteto habla sobre “la putrefacción del deseo, la muestra de su condición imaginaria y por ello irrealizable, [es] un poema descarnado donde el tiempo y el espacio se disuelven en una economía emocional del fracaso como antología, como perversa devoción.”

Heiner Müller nació en 1929 y ocupa, con Bertolt Brecht y Thomas Bernhard, el sitio de honor de la dramaturgia germana del siglo XX. Nacido en Alemania oriental, padeció la guerra y la intolerancia del “socialismo realmente existente”. Inconforme, cínico, dueño de una comicidad devastadora, sobrevivió a los desafíos de la Historia y murió, en 1995, al frente del teatro Berliner Ensamble.

La escenografía de Cuarteto está inspirada en el trabajo desarrollado durante el taller dictado en Caracas en 2009 por la escenógrafa alemana Barbara Ehnes, quien visitó Venezuela por iniciativa del Teatro del Contrajuego y el Goethe Institut-Caracas. Ehnes orientó un trabajo de diseño y realización escenográfico basándose en la técnica del Superuse o reciclaje creativo de objetos de desecho. Joaquín Nandez, siguiendo los mismos principios del Superuse, está a cargo del vestuario. La producción general es de Juan José Martín.

VENEZUELA GÜELE A ORO, montaje de egreso de la II Promoción PROFESER de Unearte-Teatro

2010-06-02T20:00:00.000-04:30

Fotos de Mayling Peña y Luis Díaz Padilla

(Durante los ensayos)

VENEZUELA GÜELE A ORO es una guachafita surrealista escrita por Miguel Otero Silva y Andrés Eloy Blanco en 1942 y estrenada ese mismo año en el Nuevo Circo de Caracas en ocasión del primer aniversario de la revista humorística El Morrocoy Azul. Tres extranjeros, encabezados por el magnate Morrockfeller, visitan Venezuela e intentan seguir la pista de un curioso y persistente olor a oro. En su búsqueda del oro, que no es otra cosa que el petróleo, el oro negro, son guiados por el proletario Morrocobrero, el investigador Sherlock Morrow y el inefable “jalamecate” Mujiquita. Una variedad de personajes, encarnaciones humorísticas del gentilicio venezolano, se les irá cruzando en el camino a los visitantes: senadores, segundones, vendedores de oro falso, los dictadores del Eje (estamos en plena Segunda Guerra Mundial) y hasta los poetas del Grupo Viernes provocarán las situaciones más hilarantes y absurdas, que se suceden vertiginosamente, al tiempo que cada escena es un punzante comentario sobre la vida política, social y cultural de aquella Venezuela que empezaba a experimentar libertades políticas y oportunidades económicas nunca conocidas en su historia republicana.

VENEZUELA GÜELE A ORO hizo una breve temporada del 18 al 21 de marzo de 2010 en la sala Anna Julia Rojas de UNEARTE-Plaza Morelos.

Elenco: Dewis Durán, Ricardo Lugo, Salvador Galvano, Fernando Lozada, Dalia Castellanos, Luisa Fernanda Sifontes, Antonio Marrero, Carlos Cedeño, Maribel Granadillo, Juan Martín Rivas, Benjamín Farías, Yannine Champion, Arianne Bracho, Josefina Meza, José Molero, Igor Balaguer y Beatriz Graterol.

Un enlace:

http://www.unearte.edu.ve/noticias/2010/03/venezuela-guele-a-oro-se-colmo-de-aplausos/

Andre, mi inspiración, hasta pronto...

2010-03-25T22:00:00.000-04:30

Andre en Deseos no deseados. Foto: Roland Streuli

Andre, estas líneas no son para despedirme. Son para darte las gracias. Una buena parte, una parte importante, de mi trabajo reciente tiene mucho que ver contigo. Con tu energía, que es combustible puro para la inspiración. Con tu belleza, que es angelical y cercana y dulce. Con tu talento, que es sorpresa generosa y sensibilidad honda... Por haber entregado todo eso, con profunda sinceridad y sin cálculo, en cada proyecto que hicimos, gracias. Y gracias también, y muy especialmente, por las risas, por las palabras de aliento, por la amistad.

Andre, hasta pronto.

Hasta siempre.

... feroz (segunda prueba)

2010-01-27T23:32:00.001-04:30

... feroz, originally uploaded by jjmsoto.

Migle González (Domi) y Manuel Fajardo (Lupo)

... feroz

2010-01-27T14:40:00.001-04:30

... feroz, originally uploaded by jjmsoto.

Esto es una prueba. Subo fotos desde mi Flickr.
Ésta es de "...feroz", montaje que dirigí en 2004.
A ver qué tal.
JJ

HÁGASE TU VOLUNTAD--Fotografías de Nicola Rocco

2010-01-26T15:21:00.000-04:30

HÁGASE TU VOLUNTAD

De Enrique Bravo

Con Julie Restifo, Flor Elena González, Andreína Blanco y William Goite

Una producción de Catherina Cardozo para En el acto producciones

Iluminación y dirección general de Juan José Martín

Segunda temporada: desde el 22 de enero de 2010 en el Teatro Trasnocho, viernes y sábados a las 10:00pm y domingos a las 8:00pm

Fotos de PORT-ROYAL, por Roland Streuli

2010-01-26T08:23:00.001-04:30

Diana Volpe (Madre Ana de Jesús)
Diana Volpe (Madre Ana de Jesús) y Alfredo Sandoval (Padre Dufresne)

Robert Chacón (Hermano Francisco), Alfredo Sandoval (Padre Dufresne) y Alexander Leterni (Juan de Burgos)

Alexander Leterni (Juan de Burgos), Marialejandra Martín (Isabel) y Robert Chacón (Hermano Francisco)

Ana Melo (Hermana Beatriz), Diana Volpe (Madre Ana de Jesús) y Ana Melo (Hermana Margarita)

DESEOS NO DESEADOS: nota para el programa de mano de Antonio Álamo

2009-12-06T21:14:00.000-04:30

Rafael Marrero (Él) y Magaly Serrano (Bego) Andreína Blanco (Ana)

Mariana Carlés (Carla)

Adriana Romero (Dona)

Esta es la tercera vez que Juan José Martín pone su talento y sabiduría teatrales al servicio de una de mis obras, tras Pasos y Yo, Satán. En el caso de Deseos no deseados concurre una circunstancia que hace de este nuevo estreno algo muy especial: a pesar de ser una pieza escrita hace más de una década, sus personajes nunca habían salido a la luz de un escenario.

Con una estructura caleidoscópica en la cual el protagonismo va pasando de un personaje a otro, y bajo un aspecto de comedia -sólo roto por los monólogos de cada uno de ellos, donde se exponen distintos grados de soledad-, se desarrolla una pieza que, por encima de cualquier otra consideración, nos habla de los deseos que no nos atrevemos a desear, del miedo que nos producen los deseos.

Como dice un Upanishad: “Eres lo que es tu deseo profundo, y tal como es tu deseo, así es tu voluntad, y tal como es tu voluntad, así son tus obras, y tal como son tus obras, así es tu destino”. Pero, precisamente, eso es lo malo. Nos dan miedo nuestros deseos, nos aterra nuestro destino, nos da miedo saber quiénes somos.

[Fotografías de Nicola Rocco]

Estreno de DESEOS NO DESEADOS, una comedia de Antonio Álamo

2009-12-06T20:58:00.000-04:30

Nota de prensa

Foto y procesado: Juan José Martín

DESEOS NO DESEADOS, una comedia de enredos de Antonio Álamo sobre el amor y sus apetitos secretos producida por Mariana Carlés, llega a Teatrex el 23 de octubre

Bego, Ana, Dona y Carla son un cuarteto de chicas jóvenes, bellas y un poco nihilistas. Cada una encarna una especie de arquetipo contemporáneo de lo femenino. Distintas entre ellas, dos cosas las unen (y las reúnen). Una es la música –forman un grupo, probablemente bastante mediocre—. La otra es la confusión existencial que les provocan sus deseos, sus impulsos eróticos. En sus vidas aparece –o meten a, casi sin querer— “Él”, un fulano del que sólo saben que es trompetista y vegetariano, pero que despertará en ellas sus apetitos más básicos y neuróticos: tan pronto lo desean furiosamente como lo aborrecen a muerte. A partir de este azar, se darán los más divertidos e inverosímiles malentendidos, escritos con ingenioso humor por uno de los dramaturgos españoles contemporáneos más exitoso y premiado de las últimas dos décadas: Antonio Álamo.

Andreína Blanco (Cartas de amor de la monja portuguesa, La peor de todas), Mariana Carlés (El don, La lección), Adriana Romero (Venezia, El jardín de los cerezos), Magaly Serrano (Vírgenes negras, Arlequín Caribe) y Rafael Marrero (Calígula, La noche árabe) interpretan a cinco personajes que se ven de pronto enredados y amenazados por sus propios deseos. En esta divertida puesta en escena también han colaborado el artista plástico Leonardo Moleiro en la pintura escénica, el trompetista Gustavo Aranguren y la cantante y actriz Mariaca Semprún en la asesoría musical, y el joven cineasta Juan Fermín, responsable del corto Ley orgánica 1/92, cuya proyección durante el espectáculo planteará un interesante contrapunto entre el lenguaje teatral y el cinematográfico.

La producción cuenta con el patrocinio de Cervecería Polar, Domino´s Pizza, Carteras y accesorios Impulsivas, Whisky Bar, L´Oreal Paris y Professional, Nike, y Supermercados Santa Rosa, entre otros.

Deseos no deseados se presentará durante sólo cuatro semanas, desde el 23 de octubre, los viernes y sábados a las 10:00pm y los domingos a las 8:30pm. La sala Teatrex está ubicada en el Piso 5 del Centro Comercial Paseo El Hatillo. La entrada general tiene valor de Bs.70.

Crítica de Joaquín Lugo de LA PEOR DE TODAS

2009-12-01T21:37:00.000-04:30

Fotos: Nicola Rocco

Rebeca Alemán como Sor Juana Inés de la Cruz y Andreína Blanco como María Luisa, Marquesa de La Laguna

En el Teatro Trasnocho se presentó la agrupación Water People Theater Company con La peor de todas, de Iraida Tapias, dirigida por Juan José Martín. La pieza trata de varios momentos de la vida de Sor Juana Inés de la Cruz, poetisa mexicana que vivió a finales del siglo XVII, considerada como una mujer adelantada para su época. Este extracto de la vida de un personaje real toma como conflicto la creciente incomodidad que ella producía a la Iglesia Católica por la manera en que interpretaba la Biblia, en que opinaba sobre los sermones de otros y en que escribía sus creaciones en diversos géneros literarios. De ahí que se critique la amistad entre ella y la Virreina María Luisa, relación que pasa de la solidaridad y admiración al amor sugerido entre dos seres del mismo sexo, y se muestre la forma en que el Padre Núñez de Miranda, su confesor, debe lidiar con ella. Con un adecuado manejo de la dramaturgia, la premisa de que viejos paradigmas se imponen por encima de cualquiera que intente romper con ellos se transmite claramente.

La puesta en escena aprovecha la escenografía diseñada por el mismo director en la que Sor Juana se encuentra encerrada en una especie de claustro, construido de madera, por el que se asoma al mundo y desde donde escribe lo que resulta molesto a la Iglesia. En este lugar solo interactúan la protagonista y la Virreina, mientras que fuera encontramos a su confesor y al Arzobispo de México. Estos últimos se desplazan alrededor y hasta emplean la parte superior de la gran caja de madera como símbolo del poder que pretende denigrar a una mujer que libera su alma a través de la escritura. El empleo de elementos anacrónicos brinda un aire de contemporaneidad a la estética, como una caja de cartón para recoger las creaciones de Sor Juana o micrófonos que permiten dar un tono apacible a la actuación. Asimismo, el diseño lumínico crea las atmósferas que resalta cada escena, en especial durante el efecto de lluvia final que acentúa la emoción de la protagonista.

El diseño de vestuario de Raquel Ríos delinea con certeza a cada personaje, apoyado en el anacronismo de la puesta. Por ejemplo, viste a la Virreina con pantalones y blusas con cierto estilo antiguo, salvo el imponente traje de época que simboliza su estancia en España. Por otro lado, los dos religiosos llevan trajes con varios elementos que destacan su labor y estatus, como las estampas de santos para el Padre y un incensario para el Arzobispo. Solo la protagonista lleva el hábito que la caracteriza y, debajo de él, la bata que emplea en la escena culminante.
Giovanni Reali como Monseñor Aguiar y Seijas, Arzobispo de México
El trabajo actoral se percibe equilibrado. Rebeca Alemán como Sor Juana demuestra una fuerza contenida en lo vocal y corporal, por la represión que interna y externamente se le impone, y que libera al final, logrando una ajustada composición del personaje. Andreína Blanco como la Virreina y Gerardo Soto como el Padre Nuñez crean con veracidad sus personajes apoyados en las intenciones. Giovanni Reali ofrece una encomiable interpretación en la que la sutilidad de los matices vocales y de los gestos refleja el poder que posee como el Arzobispo de México.

En definitiva, una propuesta que acopla todos los elementos para exhibir, hasta ahora, el mejor trabajo de este grupo.

Fuente: http://enlastablascritica.blogspot.com/

Rebeca Alemán como Sor Juana Inés de la Cruz

LA PEOR DE TODAS en el programa SÁBADO EN LA NOCHE (Globovisión, 9 de septiembre de 2009)

2009-11-29T09:00:00.000-04:30

Trailer promocional de LA PEOR DE TODAS

2009-11-29T08:53:00.000-04:30

Demo LA PEOR DE TODAS

2009-11-29T08:52:00.001-04:30

Crítica de Alfonso Molina de LA PEOR DE TODAS

2009-11-26T22:17:00.000-04:30

Rebeca Alemán como Sor Juana Inés de la Cruz

LAS TRAMPAS DE LA FE
Por Alfonso Molina

Fuente: http://blogs.noticierodigital.com/alfonso/?p=899#more-899

La mexicana Sor Juana Inés de la Cruz es una de las figuras más fascinantes de las letras latinoamericanas, no sólo por su talento literario sino por su actitud crítica frente al poder en un mundo dominado por el autoritarismo y el machismo. Niña prodigio nacida a mediados del siglo XVII, aprendió a leer y escribir a los tres años, y a los ocho escribió sus primeros versos. A los catorce, fue dama de honor de Leonor Carreto, esposa del virrey Antonio Sebastián de Toledo. Brilló en la corte de Nueva España por su erudición y habilidad versificadora. No extraña, entonces, que se haya convertido en la inspiradora de otros creadores de América Latina. El Nóbel mexicano Octavio Paz le dedicó en 1982 su célebre Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe, y la cineasta argentina María Luisa Bemberg recreó su vida en 1990 en Yo, la peor de todas. Otra mexicana, Mónica Lavin, publicó recientemente Yo, la peor, editada por Grijalbo. A la lista se suma ahora la dramaturga venezolana Iraida Tapias con su obra teatral La peor de todas, que se presenta actualmente en el Trasnocho sólo los miércoles y jueves.

Rebeca Alemán y Giovanni Reali como Monseñor Aguiar y Seijas
Tapias evidencia un conocimiento extenso e íntimo de esa mujer extraordinaria, y eligió presentarla desde la perspectiva de una prisión moral, ya sometida a la vida en el convento para escapar de un matrimonio indeseado. En un breve espacio se enfrenta con los regidores de la fe, dialoga con la esperanza femenina y conversa consigo misma en torno a las limitaciones de la honestidad y de las trampas de la fe que cita Paz. Prisionera de las paredes y de los hábitos monacales, el personaje evoluciona en la medida que se despoja de sus ropas y temores. La contradicción religiosa es apenas la manifestación de otras contradicciones de sexo y clase social. Sor Juan Inés termina siendo prisionera de sus propias ideas. En este sentido se desarrollan los diálogos y las acciones dramáticas.

La comprensión y adaptación de la pieza es producto del trabajo de Juan José Martín, responsable de la dirección general, del concepto de la escenografía y del diseño de la iluminación. Texto, espacio y luz armonizan en una puesta en escena muy sobria y precisa que enfatiza la personalidad de su personaje frente a los rigores del hostigador religioso y ante la angustia de claudicar ante el acoso del poder.

Rebeca Alemán y Andreína Blanco como María Luisa, Marquesa de La Laguna

En este campo sobresale la actuación de la muy expresiva Rebeca Alemán, también productora de la obra, y de Giovanni Reali, quien abandona su rol de director para demostrar su talento como actor, secundados eficazmente por Andreína Blanco y Gerardo Soto. Cada uno de los cuatro personajes se presenta con un vestuario que evade el naturalismo y se revela con rasgos contemporáneos.

Producida por la compañía Water People Theater Company, de la propia Rebeca Alemán, La peor de todas propone una opción distinta al teatro comercial caraqueño. Una propuesta nada facilista que exige una actitud atenta del espectador. No es para pasar el rato sino para reencontrarse con ese personaje fascinante que marcó las letras de América Latina con su clamor de justicia y su intensidad como poeta.

Rebeca Alemán y Gerardo Soto como el padre Núñez de Miranda

LA PEOR DE TODAS, de Iraida Tapias. Dirección, concepto de escenografía e iluminación: Juan José Martín. Producción: Rebeca Alemán. Vestuario: Raquel Ríos. Elenco: Rebeca Alemán, Andreína Blanco, Giovanni Reali y Gerardo Soto. Se presenta en el Teatro Trasnocho, en el CC Paseo Las Mercedes, los miércoles y jueves a las 8:00 pm.

Fotos: Nicola Rocco

Estreno de P o r t-R o y a l

2009-04-05T21:25:00.000-04:30

PORT-ROYAL, una parábola sobre la libertad y el destino de Juan Martínez de la Vega,
se estrena el próximo 17 de abril.
Una co-producción de Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego,
con el auspicio de la Embajada de España en Venezuela
“¿Tendrás el valor de penetrar en la noche oscura?”
Padre Dufresne, Acto II

En Port-Royal, una misteriosa abadía al sureste de París, un matrimonio de mendigos, Juan e Isabel, busca refugio. El provincial de los jansenistas (comunidad semi-herética reformista, aunque no del todo divergente con la liturgia católica), los acoge y escucha su insólita historia: el Ángel Gabriel se les ha aparecido para conminarlos a detenerse allí en su peregrinaje desde España a Normandía. La explicación de sus vidas es escueta y llena de ambigüedades. No pasará mucho tiempo antes de que esta pareja coloque a todos los habitantes de la abadía en un camino de confrontación con sus creencias, sus valores, su miedo a la muerte, su imagen de un Dios terrible y castigador, y hasta con su erotismo.

La hermosa obra de Juan Martínez de la Vega es una metáfora de la condición humana, una parábola de la existencia considerada como sentido. Port-Royal es, en palabras de su autor, “una reflexión, a la vez autobiográfica e intemporal, sobre el tema de la libertad y la predestinación, entendidas en el mundo de la experiencia y el absoluto de la trascendencia. En ella se exploran dos formas paralelas de entender el destino: como explicación del misterio de la existencia, y el destino ultraterreno como parte esencial del misterio humano”.

Port-Royal, dirigida por Juan José Martín Soto, cuenta con un elenco de primeras figuras del teatro y la televisión venezolanos: Diana Volpe, Marialejandra Martín, Alfredo Sandoval, Alexander Leterni, Adolfo Nittoli, Ana Melo y Robert Chacón. Además el montaje cuenta con los extraordinarios aportes estéticos de las reconocidas artistas Franca Franchi (más de dos horas de video y animación fotográfica creados originalmente para el espectáculo) y María Moschiano (diseño de un vestuario minimalista, elegante y atemporal).

Adolfo Nittoli (Carlos d' Ancy) y Marialejandra Martín (Isabel)

Sólo 6 funciones
Del 18 de abril al 3 de mayo 2009
Sábados y domingos, 6:00pm
Teatro Luis Peraza, al lado de la Basílica de San Pedro, Valle Abajo,
Los Chaguaramos.
Entradas: General: Bs.F. 40,oo/Estudiantes y tercera edad: Bs.F. 20,oo
Telf.: 662-3633

Sobre el autor: Juan Martínez de la Vega es abogado, profesor universitario, crítico teatral, ensayista y dramaturgo. Nació en Madrid en 1942. Egresó de la Facultad de Derecho de la Universidad Complutense en 1966. En los años ´70 se introduce en el medio teatral madrileño, y colabora con la organización Foro Teatral y con la revista Primer Acto, dirigida por José Monleón. En 1971 estrena Recordando a Gogó, en el marco de las Jornadas del Teatro Difícil. En el año 77 recibe el Premio Borne de Teatro por El largo camino de los cuerpos, traducida al alemán y estrenada en Frankfurt un año después. En 1978 se traslada a Caracas, donde escribió crítica teatral en los periódicos El Nacional, El Diario de Caracas y Últimas Noticias; fue miembro del Círculo de Críticos de Teatro de Venezuela; dictó talleres de teatro organizados por el CONAC, FUNDARTE, el Ateneo de Caracas y el CELCIT; y se desempeñó como profesor de Teatro e Historia de la Cultura en las Escuelas de Comunicación Social y Letras de la UCAB. En Venezuela escribe varias obras: Port-Royal (El Destino y la Gracia, I), Mamie y Julia, o la belleza (El Destino y la Gracia, II), obra por la que recibió el prestigioso Premio Tirso de Molina en 2007; y funda el proyecto Teatro de la Noche. Desde 2004 vive en España, en la provincia de Lugo (Galicia), donde, en sus palabras, se dedica “simplemente a existir y a escribir en calma”.

Para conocer el trabajo de Franca Franchi: http://www.flickr.com/photos/francalejandra/

Para conocer el trabajo de María Moschiano: http://www.mariamoschiano.com/

Contactos con la producción de PORT-ROYAL
Juan José Martín Soto
0412-619 30 66
jjmsoto@yahoo.com

Marialejandra Martín (Isabel)

Adolfo Nittoli (Carlos d´Ancy)

Fotografías y procesado: Franca Franchi

P O R T-R O Y A L, una escena

2009-03-13T12:33:00.000-04:30

Marialejandra Martín (Isabel) y Alexander Leterni (Juan de Burgos)

Fotografía de Franca Franchi

ACTO QUINTO
Cuadro I

Biblioteca. Ante un enorme mesón, Juan ordena papeles. Entra Isabel, llevando un tazón.

ISABEL, jugando a sorprender:- ¿Qué haces?
JUAN.- Ordeno papeles. Mira. ¡Son miles de notas desparramadas, escritas con una letra endemoniada! Tengo para toda la vida.
ISABEL.- Toma. Te traigo esto.
JUAN.- Huele bien.
ISABEL.- Me lo regaló la hermana cocinera.
JUAN.- No tengo mucho apetito.
ISABEL.- Lo dices para que lo tome yo, pero quiero que lo tomes tú.
JUAN.- Bueno, mitad y mitad. Oye, está buena.
ISABEL, sentándose en un ángulo de la mesa:- Podríamos pasear un poco por el huerto. Mira qué mañana tan hermosa.
JUAN.- Pero interrumpir mi trabajo...
ISABEL.- No necesitas hacerlo ahora mismo. El señor d´Ancy se fue, nadie te pide cuentas. Podrías dedicarme una mañana de sol y flores.
JUAN.- Corazón mío... Cada uno tiene su responsabilidad. Además, ya te mueves demasiado durante todo el día. Aprovecha para descansar.
ISABEL.- Ya descansaré. Yo preferiría que ahora hicieras algo conmigo, aunque sea algo tan sencillo como pasear.
JUAN.- Sabes que soy muy perezoso para eso.
ISABEL.- Claro, muy perezoso. Pausa.
JUAN.- Bueno, ¿qué pasa?
ISABEL.- Nada, nada.
JUAN.- Nada, no.
ISABEL.- No nos vemos en todo el día, por la noche una cena atragantada... Y ahora no quieres pasear conmigo. Pausa. Mira esto. Muestra las cartas.
JUAN.- ¿Qué son?
ISABEL.- Cartas. Me las dio el Padre Dufresne para que las lea.
JUAN.- ¿Por qué?
ISABEL.- Son hermosas. Quisiera que las leyeras tú. Juan las toma y ojea.
JUAN.- Letra de mujer.
ISABEL.- Fueron escritas por alguien que sufría.
JUAN.- ¿Quién?
ISABEL.- No sé; no me lo dijo, pero tampoco importa. Deben ser viejas. Pudieran ser de cualquier mujer que sufrió. Pudieran ser mías.
JUAN, angustiado:- No comprendo nada. ¿Por qué te las dio?
ISABEL.- Tampoco me lo dijo. Simplemente me las dio.
JUAN, leyendo al azar:- "¿Qué será de mí sin la verdad, sin la única verdad que tú eres? ¿La verdad que nos prohibimos? ¿No será todo aquí una mentira? ¿Y qué perfección tendrá mi alma mintiéndome a mí misma, mintiéndome ante el altar?"
ISABEL.- Es hermoso.
JUAN.- Cartas de amor, claro. Sigue leyendo por otra parte: "Todo es aquí zozobra y frío, día a día. Estas piedras, sin conciencia de soledad, están menos solitarias que yo. Todo el huerto está lleno del amor de los pájaros, y los campos se inundan con el amor de las criaturas. El mundo todo, menos esta Abadía, donde no importa el amor sino la indagación del sufrimiento. Amado recuerdo mío, tú, el perdurable, tú, la única palabra que todavía tiembla en mi boca. Tú, el único grito de mi pecho y de mi corazón. Soy insensible a las torturas y los cilicios, pues aquí solo tienen un cuerpo vacío. Mi alma va contigo, te acompaña noche y día, allí donde tú estés; es tu alma, bien lo sé, lo que anima este cuerpo yerto, que obedece mecánicamente las reglas; es tu dolor lo que me duele, amado". Pausa.
ISABEL.- Te quedas callado.
JUAN.- Sí, es hermoso.
ISABEL.- ¿Sólo eso?
JUAN.- ¿Y qué más?
ISABEL.- Mira, aquí. Las toma, busca una página:- "En el refectorio están pintadas las torturas del infierno. Mientras comemos una hermana lee el Agustinus. Yo dejo enfriar mi plato, siento náuseas. Si todo eso es verdad, ¿qué derecho tienen a retenerme, si tú eras mi destino? ¡Eras mi destino, y pudieron robármelo, en el nombre del Dios que predestina! Entonces, todo es falso. Todo es mentira. No puedo vivir sin tu verdad. Sé que moriré aquí, sola. Y tal vez tú nunca conozcas mi muerte, o alguien, algún día, te la cuente, un poco por casualidad, mientras hablas de otra cosa... Muchos años después. Mi muerte será que tú nunca llegues a conocer mi morir, y me olvides. O tal vez peor, que me recuerdes, en ocasiones dispersas, como un recuerdo del pasado... Eso sería terrible". Pausa. Y te callas.
JUAN, muy nervioso:- No sé qué decir.
ISABEL.- Te parecen tonterías, seguramente. Pausa. Está bien, te dejo con tus papeles importantes.
JUAN.- Pero Isabel...
ISABEL.- No te preocupa el tiempo, no te importa. Tal vez no quieres pensar en eso, seguramente.
JUAN, cada vez más tenso:- Pero, querida mía, nadie va a morir, que yo sepa. Démonos tiempo, entonces.

ISABEL.- Claro, nadie morirá. ¿Quién piensa en eso?

¡Inscripciones abiertas!

2009-02-28T14:33:00.000-04:30

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P o r t -- R o y a l: nota previa de Juan Martínez de la Vega, el autor

2009-01-09T22:28:00.000-04:30

Imagen promocional de Franca Franchi

Los Jansenistas, que deben su nombre al obispo Jansenius, de quien eran seguidores, constituyeron una más de las muchas comunidades religiosas semiheréticas que florecieron durante el siglo XVII. Su grave divergencia con la Iglesia Católica estribaba en haber aceptado el principio de la predestinación en su forma más absurda, la calvinista, pero, al contrario de lo que hicieron otros reformadores, quisieron mantenerse fieles a la liturgia y ortodoxia romana. Se instalaron en Francia, en la Abadía de Port-Royal, cercana a París, y allí permanecieron, viviendo como "solitarios", hasta que Luis XIV terminó con la paz religiosa en Francia cuando revocó el edicto de Nantes. La comunidad de Port-Royal pudo desarrollar durante su breve existencia una impresionante labor científica no solo en el dominio de la matemática y la física, pues a la vez, y de manera principalísima, viviendo, como lo hicieron, bajo el terror del Dios calvinista, pudieron explorar, como nadie lo había hecho hasta entonces, el mundo de la sensibilidad fronteriza con lo que hoy llamamos inconsciente. Nombres relativamente poco conocidos, como los de Arnauld y Nicole, acompañan a figuras mundiales, como Blas Pascal, el físico y místico, y el gran trágico Jean Racine.
En esta atmósfera, tomada no en la perspectiva de una documentación histórica sino como una metáfora de la condición humana, he construído una parábola de la existencia considerada como sentido; es una reflexión, a la vez autobiográfica e intemporal, sobre el tema de la libertad y el destino, entendido en el mundo de la experiencia y el absoluto de la trascendencia. En este contexto, aunque la visión de un Dios terrible y condenador, el Dios trágico de la Reforma, es por completo contraria a la doctrina católica sobre Dios, y no la comparto, la presento dramáticamente porque intento explorar dos formas paralelas de entender el destino: el destino como explicación del misterio-existencia (tesis de Juan de Burgos) y el destino ultraterreno como parte esencial del misterio humano. La pregunta latente a lo largo de toda la acción tiene una respuesta, pero únicamente Carlos d´ Ancy, el padre Dufresne y la Madre Ana de Jesús parecen comprender. Espero que mi público esté en el mismo caso.
Sé bien que una gran obra del teatro francés contemporáneo lleva el mismo título, circunstancia que significó un cierto escrúpulo de mi parte, pero honradamente no pude situar mi experiencia en otro escenario sin grave incongruencia y por otra parte no me parece admisible, aun respetando la autoría de Montherlant, reconocer una exclusividad en el uso de los nombres históricos.

Diseño de vestuario de María Moschiano

:::Pronto:::

2008-11-23T23:01:00.000-04:30

"Port-Royal no es un lugar.

Es una situación de la que nadie escapa."

PARAÍSO 2020, de José Gabriel Núñez-Lectura dramatizada

2008-11-23T22:32:00.000-04:30

Vicente Peña y Adolfo Nittoli

Vicente Peña, Juan Alejandro Solórzano y Adolfo Nittoli

LECTURA DRAMATIZADA de

Paraíso 2020

de José Gabriel Núñez

Dirección de Juan José Martín

Jueves 30 de octubre de 2008

Sala Experimental

CELARG

con

Adolfo Nittoli

Vicente Peña

Juan Alejandro Solórzano

Juan José Martín

Encerrados en un ancianato, a sus ochenta y cinco años, dos hombres se enfrentan a sus antagonismos y contradicciones marcados por las diferencias sobre cómo condujeron sus vidas. En medio de su conflicto está el país: Venezuela en el año 2020, visualizada a través de los acontecimientos que la marcaron hasta 1985, año en el que fue escrita la obra. Dos seres que apostaron al país de manera radicalmente opuesta, un ex-guerrillero de los sesenta y su cara contraria, urden una trama que los liquida día a día utilizando el absurdo y el humor como pretexto para crear un universo, aparentemente pesimista, de un país escindido, devastado por la violencia y la intolerancia.

Vicente Peña, Juan José Martín y Juan Alejandro Solórzano

Fotos de Franca Franchi

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V Í R G E N E S N E G R A S---Últimas funciones

2008-09-26T09:19:00.000-04:30

((("Y que Dios me perdone, pero yo sigo tirando... Porque yo sé que eso no daña mi Fe...")))

Actriz: Johanna González

Foto y procesado: Franca Franchi

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Vírgenes negras es una puesta en escena del Centro de Creación Artística Taller Experimental de Teatro TET basada en los monólogos semi-documentales de los escritores Feridun Zaimoglu y Günter Senkel. Un diálogo polémico entre culturas, que toma como base entrevistas con jóvenes mujeres musulmanas, quienes se expresan de manera abierta y a menudo cruda sobre su vida, su relación con la fe y el sexo. Guerra Santa y aventuras prohibidas, Hijab y Jijad, revolución islámica, una vida como madre y esposa como el logro de la plenitud, la ortodoxia doméstica y el impulso liberador… Las vírgenes negras de esta historia sólo tienen una cosa en común: su radicalidad.

Seis monólogos dirigidos por Guillermo Díaz Yuma, Diana Peñalver, J J Martín Soto, Humberto Ortiz y Juan Cordido, interpretados por Louani Rivero, Mónica Quintero, Magaly Serrano, Mariela Reyes, Johanna González y María Fernanda Ferro.

Lugar: Teatro de la Asociación Cultural Humboldt (Goethe Institut-Caracas), San Bernardino.

Fechas: Viernes 26, Sábado 27 y Domingo 28 de septiembre de 2008. Viernes 7:00pm//Sábado y Domingo 6:00pm.

Último fin de semana de EL ALQUIMISTA

2008-07-23T20:34:00.000-04:30

Un espectáculo que hace ebullición José Francisco Silva (Don Epicuro Mamón), Rafael Gil (Careta) y Delbis Cardona (Sutil)
Betsabé Correa (Ananías) y José Francisco Silva (Pastor Tribulación)
Rafael Gil (Careta) y Luis Ernesto Domínguez (Kastril)

Fotos de F r a n c a F r a n c h i

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Escena de Caracas regresa a las tablas venezolanas con una producción que hace efervescer la mente de los espectadores: El Alquimista, original del autor inglés Ben Jonson, en versión del dramaturgo venezolano Isaac Chocrón y bajo la dirección de Juan José Martín.

El Alquimista es una sátira pastiche (mezcla de comedia culta, sainete costumbrista, farsa social, comedia moralista...) que muestra un rostro del ser humano en el que la mentira y el "verborreísmo" son armas para conseguir el beneficio propio a costa del incauto, del débil y del codicioso; una comedia que refleja la corrupción moral y la picardía como instrumentos de engaño. Sutil, Careta y Muñecona se valen de la ausencia del dueño de casa para convertirla en un laboratorio de milagros. Aficionados a las apuestas, ricachones lujuriosos, tímidos empresarios y miembros de sectas religiosas proscritas recurren al falso profeta y mago en busca de todo tipo de soluciones mágicas: desde la protección de hadas madrinas, pasando por el proto-feng shui y la "tirromancia", hasta la mítica Piedra filosofal.

A partir del 11 de julio, en la Sala Experimental del CELARG se exhibe la particular propuesta que consta de una fina estética visual, en la que se combinan la actualización de un texto clásico y la elocuencia del concepto de vestuario escenográfico como elemento lúdico y satírico. De esta manera, se prescinde casi por completo de escenografía y el atuendo y la interpretación adquieren un valor simbólico único, multisemántico e hilarante.

El dinamismo físico que caracteriza a la agrupación Escena de Caracas nos conduce con un ritmo escénico trepidante por la contemporaneidad que el texto ofrece. La puesta en escena está integrada por nueve actores y actrices, quienes en algunos casos interpretan dobles personajes. El elenco está integrado por Delbis Cardona, Rafael Gil, Nadeschda Makagonow, Juan Carlos Azuaje, José Francisco Silva, Neiron Medina, Betsabé Correa, Dalia Castellanos y Luis Ernesto Domínguez. El diseño de vestuario es de Raquel Ríos, la ambientación escenográfica de Oscar Salomón, y la iluminación de Darío Perdomo. La producción general está a cargo de Cocó Seijas.

Hasta este domingo 27 de julio, viernes y sábado a las 8:00pm y domingo a las 6:00pm.

Retrato en revista Puntal

2008-06-23T11:32:00.000-04:30

La revista Puntal, de la Fundación Empresas Polar (Número 25, 2008), ha dedicado algunas páginas a tres figuras emergentes del teatro venezolano: María Fernanda Ferro, José Rafael Briceño y yo.

Gracias a Lisseth Boon por su texto y su curiosidad periodística.

(Haz click en la imagen para leer)

Las cartas de Mariana en Sala de Espera

2008-06-20T14:02:00.000-04:30

Número de junio 2008

(Haz click en la imagen para leer)

Preparando EL ALQUIMISTA, de Ben Jonson, a partir de la versión de Isaac Chocrón

2008-06-20T12:53:00.000-04:30

Fotos: Franca Franchi

www.flickr.com/francalejandra

En un mundo de crédulos, el vivazo es rey. Esta es la idea que motoriza una puesta en escena que es a medias culta crítica de nuestro tiempo, a medias ácida comedia popular. La inmoralidad se expresa en diversas formas de violencia: el engaño, la burla, la estafa son variaciones de un gesto de agresión contra el incauto. Pero es violenta también la codicia y la búsqueda de respuestas rápidas, fáciles, mágicas. Estafado y estafador ejercen su violencia y les termina golpeando, desnudándolos, volviéndolos vulgares, burdas máscaras.

El timo es una práctica humana generalizada: nunca somos lo que decimos que somos, no poseemos las cualidades que decimos poseer, no alcanzamos a decir lo virtuosos o degenerados que podemos llegar a ser. Se sabe: el lenguaje está lleno de trampas, de sombras, nos eclipsa… adrede. Pero cuando se tima y se cobra, y mucho, entramos ya en el terreno de una práctica social corrupta, innoble, brutal. Es el terreno de las seudociencias, las mancias, el new age enlatado y listo para consumo: astrología, feng-shui, adaptógenos, abdominizers, niños índigo, ovnis que trajeron a la Tierra a sus primeros pobladores, medicinas alternativas, herboterapias, acupuntura, homeopatía y un largo y peligroso etcétera de brujerías vestidas de rigor científico o arropadas de prestigio histórico.

Este montaje habla sobre esta nueva Edad Media de iluminados, de viejo oscurantismo disfrazado de aperturismo mental, mezclado con ecologismo de ultra izquierda y el conservadurismo más burgués.

Una producción de Escena de Caracas

Con Delbis Cardona, Rafael Gil, Nadeschda Makagonow, Juan Carlos Azuaje, José Francisco Silva, Neiron Medina, Betsabé Correa, Dalia Castellanos y Luis Ernesto Domínguez

Mayo berlinés

2008-06-15T12:21:00.000-04:30

CRÓNICA DE UNA PRIMAVERA TEATRAL

((30 de abril-10 de mayo de 2008))

a Barbara Ehnes

The Ruby Town Oracle, puesto fronterizo

The Ruby Town Oracle, a dos cigarrillos la foto

Berlín es una suerte de Meca o Jerusalén para los amantes del teatro, para quienes lo hacen y para quienes lo hacen parte de su vida como espectadores. Según cifras de Barbara Burckhardt, editora de la prestigiosa revista Theater Heute (Teatro hoy), en el conjunto de países cuya lengua oficial es el alemán (Suiza, Austria y Alemania), hay más teatros que en cualquier otro lugar del mundo. Sólo en Alemanía hay 150 teatros públicos o “Stadttheater”, financiados con fondos estadales y municipales, con elencos estables y una planta fija de técnicos, directores, creativos y dramaturgistas; 280 teatros privados, alrededor de 150 teatros que funcionan con elencos invitados, y más de 40 festivales anuales. Alrededor de 4.000 nuevas producciones se ofrecen al público cada año, más las obras que los "Stadttheater" mantienen en repertorio. El Estado alemán invierte aproximadamente 2 billones de euros al año en estos teatros, y se calcula que unos 35 millones de espectadores disfrutan anualmente de unas 110.000 funciones. Todo esto, sumado a una tradición muy arraigada, el apoyo decidido a la experimentación, y un público devoto y respetuoso de sus artistas, hacen de Alemania una sagrada, variadísima y perpetua orgía teatral.

Una tempestad
Este año, el Theatertreffen, uno de los festivales celebrados en Berlín anualmente, y que reúne en la capital alemana lo que según el criterio de un jurado especializado fueron los diez mejores espectáculos en lengua alemana durante los pasados doce meses, inauguró su edición con una sorprendente versión de la última obra que escribió Shakespeare. Stefan Pucher, su director, inicia el espectáculo con una precisa evocación de las películas de serie B estadounidenses, subrayando el carácter artificioso y espectacular de la famosa primera escena que da título a la obra. Próspero, interpretado por la actriz Hildegard Schmahl, está representado como un poderoso empresario de medios de comunicación, y todos sus trucos y poderes toman la forma de baratos espectáculos televisivos. En el espacio escénico, concebido por mi amiga Barbara Ehnes (http://www.goethe.de/kue/the/bbr/bbr/ag/ehn/enindex.htm), y que sugiere grandes páginas de un gran libro (metáfora de la biblioteca que Próspero atesora y que conforma su único patrimonio en el exilio), se convierten en grandes pantallas de cine o en pequeñas pantallas de televisión. Ferdinand y Miranda parecen sacados de un concurso al estilo Bailando con las estrellas, mientras Ariel se trasviste en drag queen en las distintas fantasmagorías ideadas por Próspero para poner a prueba a sus enemigos. Calibán, un adolescente malcriado y brutal, y Stephano y Trínculo, en una evocación de los cómicos ingleses Gilbert & George, tienen las escenas más graciosas del montaje, con unas caracterizaciones precisas e hilarantes.

Der Sturm

Tío Vania
Jürgen Gosch no es un desconocido en Caracas. Su brutal lectura escénica de ¿Quién le teme a Virginia Woolf? para el Deutsches Theater, es uno de los montajes más recordados del FIT Caracas 2006. Su Tío Vania, que desplaza temporalmente el interés del puestista por las relaciones violentas, agresivamente parasitarias, es un hermoso trabajo centrado en los valores dramáticos del silencio y las frases dichas casi sin voluntad. En una gran caja sin profundidad hecha de tierra, metáfora abstracta de un paisaje agreste, deforestado, Gosch sitúa en su centro un samovar y algunos pocos objetos más, y mueve a sus actores (que permanecen en escena a lo largo de las 3 horas y media de duración del espectáculo) con un sentido del ritmo sicológico y del spleen tan preciso, que hacen indudable su apego al espíritu decadente y melancólico del texto chejoviano. Vania (Ulrich Matthes, Goebbels en La caída de Hitler) es interpretado con exasperante contención, descubriendo sutiles matices de neurosis y agotamiento vital. Jenz Harzer como el doctor Astrov, y Christian Grashof como el retirado profesor de dudosa solvencia intelectual, son encantadoramente trágicos, sombríamente cómicos.

Tío Vania

Escenas de la vida de Santa Juana

Uno de los estrenos de 2008 de la Deutsche Oper, uno de los tres teatros de ópera más importantes de Berlín, es esta delirante y barroca puesta en escena de la obra de Walter Braunfels (1882-1954), compositor alemán de marcado estilo clásico romántico, autor también de una compleja y deliciosa ópera basada en Las aves, de Aristófanes. El responsable de la dirección escénica es Christoph Schlingensief (Oberhausen, 1960), el enfant terrible del cine alemán de los ochenta y los noventa. Cineasta y artista del performance, Schlingensief dirigió y actuó en su primera película con nueve años de edad. En ella interpretaba a un profesor que patea y humilla a sus alumnos y sale de viaje con una misteriosa maleta llena de ropa interior femenina. Dos de sus películas más impactantes, Terror 2000 y Das deutsche Kettensägenmassaker, son brutales farsas políticas y sociales sobre el neonazismo y la reunificación de las Alemanias, respectivamente. En esta Santa Juana, Schlingensief basa su puesta en una reflexión plástica y estremecedora sobre la muerte y la enfermedad. La primera imagen que vemos es un video, grabado por el mismo Schlingensief en Nepal, de un cuerpo femenino ardiendo en una pira funeraria. Las imágenes, profusas, cargadas de simbología y un colorido patetismo, se suceden en un tour de force de una exigencia inusual para cantantes, tramoyistas y figurantes, entre los que se cuentan enanos, discapacitados mentales y un bailarín con deficiencias sicomotoras. Un estremecedor auto sacramental barroco y contemporáneo sobre el delirio místico como enfermedad física y la muerte como derrota moral y corporal.

Emil y los detectives en Berlin Alexanderplatz
Excesivamente atractivo resultaba ver un espectáculo para niños firmado por uno de los directores contemporáneos más provocador, ingenioso y polémico. Frank Castorf dirige para la mítica Volskbühne una adaptación del relato Emil y los detectives, la novela juvenil escrita por Erich Kästner que ha conocido numerosas versiones cinematográficas. La anécdota es sencilla: un niño de la provincia recibe el encargo de su mamá de llevar a su abuela un dinero, pero en el tren que lo lleva a Berlín, el dinero desaparece de su bolsa. En la ciudad conoce a un grupo de niños que se hacen llamar “Los detectives”, que lo ayudan a recuperar el dinero. Como era de esperarse, la puesta en escena de Castorf, realista y llena de acid rock, jerga callejera, drogas, armas, bares de putas y ferias de máquinas traganíqueles, prescinde alegremente de las consabidas ñoñerías afines al género infantil. En el mismo dispositivo escenográfico diseñado por Bert Neumann para Berlin Alexanderplatz (del mismo Castorf), las aventuras de Emil se suceden a un ritmo desenfrenado: personajes sórdidos se pasean por ellas corrompiendo a niños, discutiendo los problemas económicos de Alemania y vendiéndoles armas de fuego. Y hasta la abuela de Emil es un grotesco retrato travestido con barba y calcetas. Dos automóviles, un taxi y un carro de la Polizei, entran y salen de escena a toda velocidad, frenando peligrosamente en proscenio, para el disfrute de los niños y sus maestros.

The Ruby Town Oracle
Una de las propuestas más sorprendentes del Theatertreffen 2008 es esta de la danesa Signa Sørensen y el austríaco Arthur Köstler, producida por la Schauspiel de Colonia. En la vieja estación ferroviaria situada en el Naturpark Schöneberger Südgelände (sur de Berlín), esta instalación permanece abierta al público durante diez días seguidos. Se trata de Ruby Town, un pueblo detenido en un tiempo impreciso, reminiscente de la Alemania rural oriental de los tiempos de la Guerra Fría. Se debe adquirir un pasaporte especial para entrar por la frontera del North State, donde se advierte a los visitantes (turistas, investigadores, sociólogos improvisados: cada espectador decide) sobre los comportamientos excéntricos o poco saludables de sus habitantes. La peculiaridad más relevante de los vecinos de Ruby Town reside en el culto a Martha Rubin, el oráculo que es a la vez guía espiritual y bruja moral del pueblo. Por sus polvorientas calles deambulan sus habitantes, que hablan muchas lenguas, juegan a las cartas en sus casas (hechas de maderas viejas y latón o son destartaladas casas rodantes), se divierten en un fragante y nostálgico peepshow, intercambian cigarrillos con los visitantes, y celan sus pertenencias de los militares del North State, que los vigilan permanentemente y arrestan a cualquiera que se comporte de manera sospechosa. En el santuario de Martha Rubin, el lugar más elevado de Ruby Town, los visitantes hablan con ella, le piden que descubra para ellos su suerte y que prediga avatares amorosos, mientras conectan con un tiempo mágico signado por el aislamiento, la inocencia y el ensueño y se revela en el visitante una nueva corporalidad, una nueva relación con el poder, la proximidad y las apariencias.

Ópera de los tres centavos
El Berliner Ensemble, fundado por Bertoldt Brecht en 1949, sigue siendo uno de los teatros más importantes en la escena berlinesa. En su repertorio 2007-2008, ofrece dos espectáculos creados por el estadounidense Robert Wilson, uno de los directores más influyentes del siglo XX. Se trata de un delirante Leonce y Lena, de Büchner, con música de Herbert Grönemeyer; y de una nueva puesta en escena de La ópera de los tres centavos, la colaboración Brecht/Weill más emblemática. En esta Ópera, Wilson se sirve una vez más de su espléndida estética, decididamente plástica, minimalista y cromática. Teatro popular en estado puro: conjunción armónica y elegante de recursos musicales y sonoros (puertas y monedas aparecen en escena combinando estructuradísimos gestos y efectos sonoros electrónicos), ritmo decididamente farsesco, precisión expresiva de la luz, y un rigor geométrico del mobiliario escénico. Un verdadero deleite visual y musical.

De parte de Mariana, ¡¡gracias!!

2008-06-11T09:56:00.000-04:30

Finalizó la temporada de CARTAS DE AMOR DE LA MONJA PORTUGUESA y es el momento de agradecer a quienes la hicieron posible. Gracias, Andre, este proyecto es tuyo y sin ti no tendría ni forma ni alma ni sentido de ser. A Yazel y a Anita, quienes cuidaron de Mariana en mi ausencia y la quieren tanto como yo. A los periodistas que nos apoyaron en la promo: Lisseth, Maruja, Juan Antonio y Yubelitze, gracias por su generoso entusiasmo. Al público, que se dejó conmover y quiso pensar sobre sus experiencias de amor. A todos, ¡hasta un próximo proyecto!

Fotografía de Franca Franchi

Video promocional en YouTube de CARTAS DE AMOR DE LA MONJA PORTUGUESA

2008-05-11T14:06:00.000-04:30

HASTA EL 1 DE JUNIO

Continúa temporada de CARTAS DE AMOR DE LA MONJA PORTUGUESA

2008-04-19T14:15:00.000-04:30

Fotografías de Nicola Rocco

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Artículo de Lisseth Boon para El Mundo, jueves 10 de abril de 2008

(Haz click en la imagen para leer)

Nueva temporada CARTAS DE AMOR DE LA MONJA PORTUGUESA

2008-04-06T20:46:00.000-04:30

Teatro del Contrajuego
Presenta

CARTAS DE AMOR DE LA MONJA PORTUGUESA

Nueva temporada del monólogo multimedia basado en las epístolas
atribuidas a Sor Mariana Alcoforado será en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural

“Uno de los mejores trabajos de la temporada. Sagaz montaje que expuso que con inteligencia escénica se cautiva y se propone algo a nuestro público.”
Carlos Herrera. Últimas Noticias

A partir del 11 de abril de 2008, el público podrá disfrutar del monólogo Cartas de amor de la monja portuguesa, espectáculo basado en las misivas que presuntamente escribiera y enviara Sor Mariana Alcoforado, monja del Convento de Nuestra Señora de la Concepción de Beja, al militar francés Noël-Bouton Conde de Chamilly. Este espectáculo, estrenado en agosto de 2006, recibió una entusiasta recepción tanto del público como de la crítica especializada.

En 1665, Portugal está en guerra con España. Francia se alía con el reino luso y numerosas tropas galas llegan a Portugal. Ese año, un suceso trastorna la vida entera de Sor Mariana Alcoforado, de veinticinco años, y proyectará su figura hacia la inmortalidad: conoce al Conde de Chamilly. El campo de ejercicios de la tropa se encuentra a la vista del convento, y las monjas, “enterradas vivas” en la aspereza y soledad de la vida monacal, contemplan frecuentemente desde los balcones y ventanas a la soldadesca durante el entrenamiento. El encuentro entre los amantes es facilitado por el hermano de Mariana, Baltasar, compañero de tropa de Noël-Bouton. Se cree que entre ellos el romance se mantuvo durante un año, y que las cartas fueron redactadas entre diciembre de 1666 y principios de junio de 1667. No obstante las dudas sobre la autenticidad de las epístolas, pues no se conservan originales en portugués ni en francés, las cartas son famosas por la belleza y precisión con que describe el estado de enamoramiento y erotización del espíritu, el proceso que va desde la esperanza y la imaginación excitada hasta la dolorosa constatación de no ser correspondida en el furor amatorio.

Juan José Martín, director y productor del trabajo, toma como base las cartas y crea un espectáculo que pretende dar cuenta del amor como un género literario y como la más exigente aventura del espíritu y del conocimiento humano. Andreína Blanco da voz y cuerpo a la desesperada religiosa que, encerrada en su celda, usa sus paredes como grandes trozos de papel donde talla los relieves de sus violentas emociones. El espectáculo se vale de recursos multimedia para subrayar su dimensión investigativa y especulativa, pues cita, a lo largo de una hora, numerosos estudios recientes dedicados al comportamiento sicoquímico del enamorado. La belleza y complejidad de las cartas de la monja, aunadas a la sucesión de datos científicos sobre el amor romántico, hacen de Cartas de amor de la monja portuguesa un trabajo que dejará a los espectadores profundamente conmovidos y haciéndose muchas preguntas sobre sus propias experiencias amatorias.

El montaje cuenta con el diseño de las proyecciones de Xavier Agudo y la asesoría artística general de Orlando Arocha.

Cartas de amor de la monja portuguesa se presentará en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, ubicado en C. C. Paseo Las Mercedes, nivel Trasnocho Cultural. Las funciones serán viernes y sábados a las 9:00pm y los domingos a las 7:00pm. La entrada tendrá un valor único de Bs.F 40.

Sobre el director
Juan José Martín es director, productor y docente teatral. Nació en Caracas en 1977. Estudió en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello, de donde egresó en 1999. Se formó como actor en el Teatro del Contrajuego y en el Centro de Creación Artística Taller Experimental de Teatro. Ha dirigido Pasos, de Antonio Álamo (Teatro de la Noche, 2001), Galileo, de Bertolt Brecht (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2002), Una petición de mano (Tres miradas a Chéjov), de Antón Chéjov (Centro de Creación Artística TET, 2003, 2004 y 2005), El empresario teatral, de W. A. Mozart (Temporada de Ópera Breve del Ateneo de Caracas, 2003), La almohada mágica de Kantán, de Yukio Mishima (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2004), …feroz, de Diego Aramburo y Johnny Anaya (Teatro del Contrajuego, 2004), Las asambleístas, de Aristófanes (Instituto Universitario de Teatro, 2004), Juego del amor y del azar, de Marivaux (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2005), Mejor se hubieran quedado en sus casas, güevones, de Rodrigo García (co-dirección de Orlando Arocha y Ricardo Nortier, Teatro del Contrajuego, 2006), Cartas de amor de la monja portuguesa, atribuidas a Mariana Alcoforado (Teatro del Contrajuego, 2006), Yo, Satán, de Antonio Álamo (Teatro del Contrajuego y Centro de Creación Artística TET, 2006 y 2007) y Vírgenes negras, de Feridun Zaimoglu y Günter Senkel (co-dirección de Guillermo Díaz Yuma, Diana Peñalver, Juan Cordido y Humberto Ortiz, Centro de Creación Artística TET, 2007). Ha hecho talleres internacionales de crítica teatral (Eduardo Pérez Rasilla, España), de actuación (Mario González, Francia) y dirección (Declan Donnellan, Reino Unido). En 2005 recibe una Mención Especial del Premio Municipal de Teatro por la dirección de Juego del amor y del azar, y, en 2007, el Premio Municipal de Teatro al Mejor Director por Yo, Satán.

Sobre la actriz
Andreína Blanco es actriz, locutora y comunicadora social. Miembro de la agrupación Agoteatro, conformada por egresados de la UCAB. Ha participado en más de quince espectáculos, entre los que se cuentan ¿Y si no amanece?, de José Tomás Angola (dirección de Mario Sudano, Teatro del Canovaccio, 2001); Tartufo, de Moliére (dirección de Wilfredo García, Agoteatro, 2002); Madame de Sade, de Yukio Mishima (dirección de Virginia Aponte, Agoteatro, 2003); y El insólito viaje de los inocentes, de César Rengifo (dirección de Dairo Piñeres, Compañía Nacional de Teatro, 2004). Su más importante trabajo como actriz en televisión fue en Planeta de 6, primer sitcom venezolano, transmitido por Televen durante un año. Ha participado en los largometrajes Piel, de Oscar Lucién (1999), El Don, de José Ramón Novoa (2006), Ni tan largos ni tan cortos, de Héctor Palma (2007), y la co-producción española-venezolana Lo que tiene el otro, de Miguel Perelló (por estrenar). También fue locutora del programa radial La hora pico, transmitido diariamente por 88.1 FM durante tres años. Fue directora de la Compañía de Teatro del Club Hebraica y es profesora de teatro de ASODECO, instituto para jóvenes y adultos con necesidades especiales. Animó el reality-show Calle ciega: la prueba final, transmitido por Venevisión en 2007.

Contacto:
Juan José Martín
jjmsoto@yahoo.com

0412-619 30 66

CILPS DE PRENSA DE LA PRIMERA TEMPORADA

(Haga click en la imagen para leer)

Lectura dramatizada de BARCELONA, MAPA DE SOMBRAS

2008-03-22T17:33:00.000-04:30

Domingo 6 de abril de 2008

Espacio Plural del Trasnocho Cultural
Hora: 11:00 am

BARCELONA, MAPA DE SOMBRAS, de Lluïsa Cunillé

Dirección general / Juan José Martín

Elenco (en orden de aparición)

Él/Fernando Gómez

Mujer/Marialejandra Martín

Ella/Nelly Garzón

Joven/Alexander Leterni

Extranjera/Magaly Serrano

Médico/Javier Vidal

Barcelona, mapa de sombras es una comedia de aristas ácidas, salpicada de claroscuros y con toques sutiles de ternura y humor sobrenatural. La obra reúne a seis personajes en un modesto apartamento del Ensanche barcelonés. Un matrimonio anciano, un hermano de ella y tres “realquilados”: una mujer que da clases de francés, un ex-futbolista vigilante de seguridad, y una muchacha sudamericana embarazada. Los ancianos los reúnen a todos para pedirles que se vayan, pues él va a morir y quiere estar solo en el tramo final de su vida. Todos estos personajes, fácilmente identificables, se convierten en arquetipos contemporáneos de la soledad urbana. En el anodino apartamento barcelonés, el incesto, el travestismo, la homosexualidad y el adulterio se entrecruzan en una sucesión de minúsculos nudos que revelan su sorprendente urdimbre al final.

Lluïsa Cunillé nació en Badalona en 1961. Se formó en los seminarios de dramaturgia textual que impartió José Sanchis Sinisterra en la Sala Beckett de Barcelona entre 1990 y 1993. En 1991 obtuvo el accésit al Premi Ignasi Iglésias por Berna y el Premio Calderón de la Barca por Rodeo (estrenada en 1992). Ha estrenado numerosas obras teatrales, tanto en catalán como en castellano: Molt novembre (1993), La festa (1994), Libración (1994, Premi de la Crítica de Barcelona 1993-1994), Accident (1996, Premi de la Institució de les Lletres Catalanes, 1997), Apocalipsi (1998), L'afer (1999, Premi Ciutat d'Alcoi 1998), La cita (1999), Passatge Gutenberg (2000, Premi de la Crítica de Barcelona 1999-2000), Vacants (2000), El gat negre (2001), L'aniversari (2001, Premi Born de Teatre 1999) y Aquel aire infinito (2003), Barcelona, mapa d'ombres (2004, Premio Ciutat de Barcelona de les Arts Escèniques), entre otras muchas. En colaboración con Paco Zarzoso ha escrito y estrenado Intempèrie (1996), Viajeras (2001) y Húngaros (2002).

A C T U A L I Z A C I Ó N

Fotos de Nicola Rocco

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El maestro Fernando Gómez (Él)

Maríalejandra Martín (Mujer)

Alexander Leterni (Joven) y Nelly Garzón (Ella)

Javier Vidal (Médico)

El maestro Fernando Gómez (Él) y Magaly Serrano (Extranjera)

P R O N T O

2008-03-22T14:41:00.000-04:30

Espacio Plural del Trasnocho Cultural

P R O N T O

2008-03-19T22:59:00.000-04:30

Espacio Plural del Trasnocho Cultural

P R O N T O

2008-03-17T14:45:00.000-04:30

Espacio Plural del Trasnocho Cultural

REVOLUCIONES POR MINUTO, nuevo proyecto de Teatro del Contrajuego sobre un país entre la quiebra y la esperanza

2008-02-28T15:15:00.000-04:30

RPM, de Ricardo Nortier

Puesta en escena: Orlando Arocha, Juan José Martín y Ricardo Nortier
Dirección general: Orlando Arocha
Chacao, abril, mayo y junio de 2008

RPM es una trilogía que pone en observación, bajo la particular mirada del teatro, a una sociedad que vive en constante tensión. Sus personajes son figuras fracasadas en sus relaciones familiares, afectivas, laborales. Personas que tratan de hacer su propia revolución desde la más elemental y cotidiana intimidad, bajo la amenaza de ser extinguidos como individuos.

PARECE QUE VA A TEMBLAR es la primera obra de la trilogía. Escrita en 2003, esta amarga comedia muestra a una familia venezolana atrapada en una eterna tarde de domingo: no pueden entenderse entre ellos y reina la intolerancia, el aburrimiento, la rutina, el arroz con pollo… Están condenados a vivir unos con otros y todos saben que se repetirán los mismos diálogos, los mismos rituales, una semana después, hasta el final de sus vidas.

La segunda obra, ESPERANCITA, cuenta la vida de una loca de calle que vive en una plaza junto a un perro enfermo y a un prócer de bronce. Esta mujer, graciosa y poética, que nos cuenta su terrible historia, se mantiene viva gracias a su pequeña esperanza, su esperancita. En su discurso va trazando un paralelismo entre su historia y la de un héroe de la patria (ambos cubiertos de excremento de paloma), vidas de soñadores que mueren por sus ideales, con la ilusión de transformar la Humanidad. La simplicidad y las anécdotas fantásticas de Esperancita nos muestran su humanidad (distinta de la que se escribe con mayúscula), amenazada por el hambre, la locura, la soledad.

En la tercera obra de la trilogía, SEMÁFORO, se trata un tema muy actual: la calle suple la falta de espacios destinados a las artes. Los personajes son los artistas, obligados a ejercer sus oficios bajo el sol y los semáforos de la ciudad. Vemos a una cantante de ópera, a una bailarina, a un actor… Todos fueron famosos en el pasado, pero ahora subsisten bajo un semáforo, en un país donde los teatros están tomados por el proselitismo y la vulgaridad.

Un fragmento de JULIA, O LA BELLEZA, de Juan Martínez de la Vega

2008-02-09T23:10:00.000-04:30

La Venus de Urbino, de Tiziano, uno de los personajes de la comedia

MAESTRO JUAN.– Dos palabras más: sabeis bien que no pasa el tiempo en vano; mi pulso no es el que era y mis ojos están fatigados; ya es la hora del descanso en familia. El joven y excelente maestro Juan de Brujas, además de mi hija Lavinia, recibirá también mi taller como sucesor mío; con él, los magníficos clientes que me distinguen con su confianza, y el honor de dirigir el primer centro de pintura y dibujo, diseño y orfebrería de todo el Brabante. (Nuevos aplausos.)
JUAN DE BRUJAS.– ¡He aquí un don que no esperaba! Querido maestro, no sé cómo agradeceros vuestras bondades; haré lo posible por mantener el honor del taller que me encomendais y su tradición de excelencia. (El maestro Juan abraza a Juan de Brujas.)
JUAN DE FLEMAILLE, a Boucicault:– ¿Por qué a él, por qué? ¿Es acaso el único, o el mejor?
JUAN DE BOUCICAULT.– Es verdad que siendo tan anciano anda medio ciego y ya chochea. A decir verdad, no sé qué le encuentra a ése vanidoso.
JUAN DE FLEMAILLE.– Desde que ese boquirrubio llegó al taller, el maestro quedó fascinado por un muchacho que ha sido en todo de lo más vulgar.
BOUCICAULT:– ¿Y ése retrato de Lavinia? ¡Qué borrón tan horrendo!
FLEMAILLE.– Ridículo, completamente ridículo.
MAESTRO JUAN.– ¡Criados, traigan copas rebosantes del dorado vino de Renania, el vino que brilla como si llevara disuelto en su espíritu el sol, como si fuera el elixir filosofal, qué digo, el mismo cabello de Lavinia! (Los criados entran llevando grandes bandejas cargadas de copas colmadas.) ¡Músicos, despierten la danza más alegre que duerma en las cuerdas de vuestros instrumentos! (A Lavinia y a Juan de Brujas.) ¡Os toca empezar la fiesta! ¿Qué haceis como dos estatuas? (Música, vino, danza; por fin comienza la fiesta. Todo fluye aparentemente perfecto, pero tocan imperiosamente la puerta.)
DOFFLIN, entrando: – ¡Maestro! ¡Maestro querido!
MAESTRO JUAN.– ¡Creí que te habías olvidado, muchacho!
DOFFLIN.– ¡Cómo pensais que yo cometería tan gran herejía, olvidar a vuestra hija! No, no, al contrario; la Fortuna, que inventó pretextos para retrasarrme, también nos trajo una gran sorpresa, que espera fuera vuestro permiso.
MAESTRO JUAN.– ¿Qué sorpresa es esa?
DOFFLIN.- Un alumno querido, que parecía perdido pero regresa lleno de gloria.
MAESTRO JUAN.– ¿Quién es, quién es? ¡Hazle pasar, bobo!
DOFFLIN, gritando hacia fuera:– ¡Pasad, maestro! ¡Te invitan a beber con nosotros! (Entra Juan Groote.)
MAESTRO JUAN, atónito:– ¡Juan! ¡Juan querido! (Abrazándole, conmovido.) ¡Creímos que te quedabas en Italia para siempre!
JUAN GROOTE.– Ya veis que no, querido maestro; no pude olvidaros, ni a vos, ni a los amigos del taller, ni a vuestra hija (Adelantándose hacia ella.) a quien felicito y deseo la mayor felicidad. (Todos quedan atrapados por la seductora imagen del joven, espléndidamente vestido; las muchachas cuchichean entre ellas, y los primos le miran con estudiado desdén.)
LAVINIA, muy nerviosa:– Señor, me place mucho veros; sed bienvenido...
GROOTE, a Lavinia, con un saludo cortesano:– La mayor felicidad, señora, para los esposos.
LAVINIA.– Gracias, Juan. ¿Será el destino quien os trajo precisamente hoy...?
GROOTE, a sus antiguos compañeros del taller:– Y vosotros ¿No tendreis un abrazo para vuestro antiguo compañero? (Los alumnos se abrazan, con grandes muestras de alborozo. Lavinia le mira, completamente conmocionada.)
FLEMAILLE, abrazando a Groote: – ¡Pícaro querido, viejo sinvergüenza! ¡No podría decirte cuántas jarras han llorado con nosotros tu ausencia!
BOUCICAULT.– ¡Ni podría confiarte cuántas botellas han derramado su llanto por ti hasta la última lágrima!
BRUJAS.– ¡Sólo tú faltabas, para que todo esté como estaba, y digamos que no ha pasado un día desde el último día que te vimos!
GROOTE.– ¡Ya veo que nadie perdió su buen ánimo por causa mía! Hubiera sido mi culpa demasiado grande... Eso está bien; ¡dadme una oportunidad y prometo enjugar vuestro llanto con otras tantas lágrimas igualmente rubias! (Algunos deciden seguir bailando pues la música no se detiene; en medio, Groote inicia su labor de seducción. Acercándose al retrato.) ¿Tu firma, Brujas? Te felicito: ¡excelente factura para ser flamenco!
JUAN DE BRUJAS, molesto: – ¿Qué significa eso?
GROOTE.– ¡Amigo! ¡Hay que viajar, ver, comprender, comparar, para llegar a la perfección! ¡Y nada como Italia para eso!
LAVINIA, a Groote, fascinada:– Habeis viajado... El mundo fue vuestro, en vez de resignaros a esta pequeña ciudad... Me gustaría oíros hablar de vuestros viajes...
GROOTE.– Y a mí me gusta obedeceros. ¡Casi cuatro años de ausencia! Y cuando uno regresa... ¿sabeis qué es lo primero que se ve? ¡Todo está igual, nada cambia, ni en la ciudad, ni en la gente, ni en la forma de pensar!
MAESTRO JUAN.– ¡Cuéntanos qué te agradó más de cuanto viste!
GROOTE.– Francia es amena y dulce; Alemania aún resulta demasiado tosca; España me pareció tan seca de espíritu como árida de tierra, miserable y ostentosa, ojerosa y fanática. Sólo Italia es digna de ser llamada estuche de la vida de un artista. ¿Qué deciros de aquellas cortes magníficas, aquellos palacios fastuosos, sus jardines incomparables; de sus músicos, sus poetas, sus artistas, sus talleres, sus academias, sus bibliotecas, sus grandes colecciones principescas, sus mecenas? ¡Cómo describiros ese ornato en todas las cosas, ese gozar una vida llena de luz, música y color, de amor sobre todo, oh, el amor de Italia, oh, el amor italiano!
LAVINIA, fascinada: – ¡Cómo, señor! ¿Hay un amor italiano, acaso tan diferente del nuestro? ¿Cómo es él?
GROOTE.– ¡Como la claridad de su día, el azul de su cielo, la suavidad de su clima, la dulzura de sus paisajes, la seducción de sus mujeres....!
MAESTRO JUAN, interrumpiendo con acucioso entusiasmo: – ¡Sus pintores, háblanos de sus pintores!
JUAN DE BRUJAS, de muy mal humor a Flemaille:– ¡Maldito sea, está robándome la fiesta!
GROOTE.– ¡Los he conocido a todos! ¡Muchos me honraron con su amistad, su benevolencia y protección! El gran Leonardo, segundo papa de la corte romana, respetado por encima de todos; con infinita gentileza me dio una lección personal sobre el sfumato. ¿Y el divino Rafael? Tuve la fortuna de oirle explicar el canon de la proporción humana. Del Sarto, el excelso Botticelli... Julio Romano me regaló un dibujo, y Miguel Angel, un boceto hermosísimo de una cabeza de Virgen...
JUAN DE BRUJAS.– ¡Peste con el hombre...!
GROOTE.–¡Oh, qué país admirable, lleno de la actividad más sublime! Por todas partes se buscan manuscritos y obras del grandioso pasado, se publican libros sobre las cuestiones más diversas, todo se lee y se discute, todo se investiga y se renueva, y las glorias de la Antigüedad resplandecen como soles! Pero lo que más colmó mi espíritu fue el amor, qué digo, adoración, de Italia por la belleza!
LAVINIA, fascinada:– ¿Cómo es esa adoración, señor?
JUAN DE BRUJAS.- ¡Me ciega la cólera! ¿Qué comedia es esta, señor suegro? (El maestro Juan le hace a un lado, como diciéndole que no interrumpa, y se acerca al narrador lleno de interés.)
GROOTE.- ¡Las más hermosas mujeres son adoradas como diosas! Por cierto, señora, permitidme contaros un acontecimiento inverosímil sucedido ha poco en la misma Roma... (Poco a poco todos han sido absorbidos por el discurso de Groote, que ahora es dueño de la situación.)
MAESTRO JUAN.– ¡Cuenta, cuenta!
GROOTE.– Es el caso que tumbando una ridícula construcción de la época de Federico, en la Vía Appia, hallaron los albañiles un enterramiento romano, y en él, el cuerpo momificado de una adolescente... Una inscripción decía: “Julia, hija de Claudio”, pero los más grandes eruditos fueron incapaces de averiguar qué Claudio podría ser ése... ¿Y qué podía importar ante la perfecta belleza de Julia? El divino Rafael, dispuso fuera expuesta en el Palacio de los Conservadores. Allí reposa en la serenidad; nunca pudo decirse mejor que Dios bendiga su sueño eterno, pues dormida parece. ¡Imposible describir cómo voló la noticia! Los miles de alumnos de los talleres desfilan noche y día ante esa belleza perfecta; pero no solo de Roma, también de Florencia, Siena, Pisa, Mantua, llegaba un río de peregrinos de la belleza... Cada uno lleva su papel, su carboncillo, sus plumas; nadie renuncia a llevarse un recuerdo de Julia. Yo hice unos cuantos bocetos que todavía no he tenido tiempo de sacar de mi equipaje, pero que bien pronto mostraré publicamente, cuando instale mi taller. Después de aquella lección sublime, sin presunción diré que no he de viajar ni a Bruselas, ni a Dijon, ni a París, sino únicamente a Italia, pues serán París, Dijon y Bruselas los que vengan a buscarme a mi taller. ¡Amigos, vayan, vayan a Italia y aprendan! Quien no cumpla esa preciosa peregrinación de la belleza, ciertamente no podrá ser tenido por pintor. Todo lo demás no es más que oficio, ese oficio que aprendimos como si fuera sabiduría.
JUAN DE BRUJAS, molesto:– Solo hay una manera de pintar bien, eso lo sabemos todos.
GROOTE.– ¡Oh, sí, pintar bien, tú mismo lo has dicho! Pero... ¿qué es pintar bien, amigos míos? Pintar bien es casi como no pintar... Hay que ir más allá de todo eso...Hay que llegar a la Belleza.(Durante la narración la hostilidad de Juan de Brujas poco a poco ha cedido ante la expectación que despertó el relato, y al final escuchaba absorto las últimas palabras de Groote.)
LAVINIA, fascinada, para sí misma:– ¡Oh, divinidad...!
MAESTRO JUAN, a Groote:– Buena charla ha sido la tuya, hijo, pero tiempo habrá para las infinitas pláticas que nos dará gusto compartir contigo. Ahora pasemos todos al banquete, y después bailaremos hasta que, naciendo el sol, llegue la hora en que otro sol (señalando a Lavinia.) deba descansar.
SEÑORA GENOVEVA, a la señora Gertrudis, señalando a Lavinia que mira embobada a Groote: – ¡Lo dije, lo dije, lo dije! La belleza será la desgracia de Lavinia! (El maestro Juan toma del brazo a su mujer, y el maestro Juan de Brujas toma del brazo a Lavinia; tras ellos, los invitados desfilan hacia el jardín donde se servirá el banquete.)
GROOTE, a un lado, a Döfflin: – ¡Creo que mordió el anzuelo y se tragó el cebo; el veneno le llenó el alma y ya comienza su dulce efecto!
DÖFFLIN, a Groote, admirado: – ¡No he visto en toda mi vida trabajo tan sutil y excelente como el tuyo!
GROOTE, riendo: – ¡Se aprende mucho en Italia!

III En las murallas de la ciudad. Amanece.

De pie, en las murallas, a sus pies el perfil de la ciudad, la silueta de sus iglesias y sus viejos palacios góticos; ante ellos la llanura flamenca hasta el horizonte. Juan de Brujas, Juan Groote, Juan de Flemaille, Juan de Boucicault, Dofflin.

JUAN DE BRUJAS.– ¡Extraña noche, insolente y feliz a la vez! Por eso quise llegar a estas almenas para despedirla mientras la ciudad poco a poco despierta a nuestros pies, y la primera claridad devela entre brumas lejanas el horizonte. Desde aquí, el día me ofrece con su luz el mundo entero que ilumina. ¡Tan grande es mi ambición y sed de gloria! Tú, Groote, has picado espuelas en los caballos de la imaginación, que ahora quisieran galopar por todo el universo como si arrastraran la misma carroza de Febo!
GROOTE.– Amigo, si tal hice, eso no es reproche sino elogio. ¿Qué sería de un artista sin ambición de gloria? Apenas un trabajador algo más hábil que un artesano. Es la belleza lo que nos libra de la condición servil y nos da la libertad.
JUAN DE FLEMAILLE.– Tienes razón, nosotros hemos nacido para mejores empeños.
JUAN DE BRUJAS.– ¡Ciertamente! ¡Siento que me comprenden!
GROOTE.– ¿Y cómo no, después que sentimos agrandarse el alma entre Borgoñna y Toscana? ¡Si precisamente Italia es el país dónde más adoran la gloria!
JUAN DE FLEMAILLE.– ¡Hermoso sueño! ¿Y vosotros, callais?
DOFFLIN.– ¡Quisiera ir allá cuando me reciban como maestro, y ver tantas cosas como tú has visto!
JUAN DE BOUCICAULT.– Tanto viaje, esfuerzo y aventura, no son de mi gusto. Lo que conozco del mundo me basta para gozarlo, y no deseo más.
DOFFLIN, burlándose:– ¡Boucicault se contenta con muy poco, Dios le bendiga!
GROOTE.– Y yo, en un par de años regresaré, si Dios lo permite, al país bendito.
JUAN DE FLEMAILLE.– Mientras espero el momento de mi maestría el tiempo se me hará infinito.
DOFFLIN.– ¡Paciencia, todo llega!
JUAN DE BRUJAS.– Amigos, escuchando vuestras razones un terremoto se mueve en mi alma. ¡Porque la divina perfección es lo que deseo alcanzar más que nada! Perdóname, Groote, buen amigo; yo seré el mejor pintor de Flandes. ¡Está decidido, yo también viajaré a Italia!
GROOTE.– ¡Te felicito, amigo! Ese es el empeño que nos hace grandes.
JUAN DE FLEMAILLE.– ¿Y el maestro Juan, Lavinia, qué harás con ellos?
JUAN DE BRUJAS.– Lavinia me comprenderá, si realmente me ama. Y el maestro, siendo tan gran maestro, ¿cómo no estaría de acuerdo? Podría hacer cualquier cosa por ellos menos sacrificarles la gloria, y sería lo último que ellos me pidieran. He de ser, ya que no puedo cambiarlo, el segundo flamenco que diga: “¡Yo también conocí y pinté a Julia!”.
GROOTE.– ¡Oh, sí! Todos los que comenzamos la carrera del arte estamos enamorados sin saberlo de una Julia que no conocemos. ¡Dichosos los privilegiados que llegan a su presencia! Porque podrán llenar su espíritu con la gracia infinita, y se convertirán en los perfectos alquimistas del arte. Pero el oro, por hermoso que parezca, ¿cuánto vale, comparado con la idea de la pura belleza, tal como el divino Platón la describe? Con la misma reverencia y el corazón tembloroso, el creyente se acerca temblando a Julia, la eterna durmiente del Palacio romano...
JUAN DE BRUJAS.– ¡Sí, sí! ¡Iré! ¡Contemplaré de cerca el ideal sublime, y vereis después quién es el mejor pintor de Flandes! ¡Digo, de Flandes, de Francia, de Borgoña!
JUAN DE BOUCICAULT.–¡Es una locura lanzarse a esos caminos de Dios, llenos de peligros!
GROOTE.– ¡Calla, calla! ¿Cómo no te avergüenza mostrar un ánimo pusilánime? También puede morderte un perro rabioso saliendo de tu casa, o darte una apoplejía mientras duermes. ¿Quién ha garantizado algo en esta vida? ¡Nadie! Entonces...¡atrapa alegremente lo que puedas! Esa es la primera condición de la sabiduría...
JUAN DE BRUJAS.– Tienes razón, Groote; resolvamos sin tardanza. Ayúdenme, amigos. Tú, Boucicault, ya que eres de natural tranquilo, recibirás el encargo de cuidar mi taller y mis cosas; al regreso buscaré dónde establecerme y quizá me vaya con Lavinia a Bruselas, en vez de malgastar mi talento en esta ciudad.
JUAN DE BOUCICAULT.– Todo me parece un disparate, pero cumpliré contigo lo mejor que pueda.
JUAN DE BRUJAS.– Ahora necesito que me ayuden a reunir algo de dinero para el viaje.
JUAN DE FLEMAILLE.– ¿Y tus padres? ¿Por qué no les pides a ellos?
JUAN DE BRUJAS.– ¡Quita, quita! Mi padre es un pobre hombre, que solo sabe medir varas de tela, no entiende jota de arte y se contenta con mi grado de Maestro. Si le digo este proyecto a mi madre de inmediato me atará con sus lágrimas y sus brazos hasta paralizarme por completo; y si me confío al maestro Juan, ¿quién me asegura su discreción? No, amigos. Esto hemos de resolverlo entre nosotros.
JUAN DE FLEMAILLE.– ¡Piensas escaparte, por lo que veo!
JUAN DE BRUJAS.– Les dejaré unas cartas que podré escribir mientras buscais el dinero; tal es el plazo que mi gran impaciencia puede concederos.
JUAN DE FLEMAILLE.– Si quieres yo entregaré tus pliegos.
JUAN DE BRUJAS.– Ya son tuyos, amigo.
GROOTE.– ¿Cuánto dinero deseas? Yo creo que con cien florines puedes llegar a Italia, y luego uno se las ingenia. Eso forma parte del aprendizaje.
JUAN DE FLEMAILLE, aterrado: – ¿Y de dónde sacamos cien florines?
GROOTE.– Yo se los presto a un excelente amigo, sin interés alguno y pagaderos sin plazo fijo, a su vuelta, cuando él guste volver...
JUAN DE BRUJAS, emocionado:– ¡Amigo querido! ¡Nunca podré agradecerte...!
GROOTE, con desparpajo: – ¡Baaa...! Tonterías. Y haré algo más por ti: mientras escribes tus cartas yo tomaré la pluma para entregarte otras dos, recomendándote al divino Rafael y al Cardenal de Brignola... Roma será tuya...
JUAN DE BRUJAS, abrazándole: – ¡Hermano querido! ¡Eres un verdadero hermano!
GROOTE.– ¡El artista que puede pintar un retrato como el que anoche nos mostraste, merece la mano de sus amigos! Ea, no me abraces más, vas a empaparme con tus lágrimas y podría resfriarme.
JUAN DE BRUJAS.– Gracias, verdadero y gran hermano, gracias. Ahora tomaré algo de ropa, prepararé un pequeño equipaje, escribiré las cartas y... ¡al camino! ¡Venid, venid! Los personajes de la fiesta duermen; cuando se liberen de los vapores del vino, a la luz del atardecer leerán mi despedida, y yo estaré muy lejos entonces.
GROOTE.– Voy sin tardanza a cumplir mi parte. ¿Dónde nos encontramos?
JUAN DE BRUJAS.– Primero iré a casa, para disponerlo todo, y luego al mercado para comprar un caballo equipado decentemente.
GROOTE.– Muy bien, nos veremos delante de la Iglesia... pongamos, en dos horas, allí te daré la bolsa y luego iremos juntos al mercado. Dofflin, acompáñame, porque no es bueno moverse solo con una suma tan grande.
DOFFLIN.– De acuerdo.
JUAN DE BRUJAS.– Vosotros id a buscarme a mi casa; allí recibirá Boucicault mis llaves, y Flemaille las cartas. Ea, cada uno haga lo que asumió. (Vanse.)
DOFFLIN, a Groote, con admiración: – ¡Eres una sucia rata!
GROOTE, riendo:– Amigo, nunca seas vanidoso, y si no puedes evitarlo procura que los demás no se den cuenta.

Mis producciones (1)

2008-01-17T21:28:00.000-04:30

LA VIDA ES SUEÑO, de Calderón de la Barca

Dirección general: Orlando Arocha

Estrenada en la Sala Anna Julia Rojas del Ateneo de Caracas, agosto de 2000

Funciones en el XIII Festival Internacional de Teatro de Caracas 2001 y en el XXIV Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, España (agosto de 2001)

Ana María Simon (Rosaura) y Eulalia Siso (Estrella). Foto: José Carlos Gómez

ÚLTIMO PISO EN BABILONIA, de Xiomara Moreno

Dirección general: Orlando Arocha

Estrenada en la Sala Anna Julia Rojas del Ateneo de Caracas, octubre de 2001

Funciones en el XIV Festival Internacional de Teatro de Caracas 2002

Ricardo Nortier, Fernando Then, Norma Fernández, José Luis González y Julio Bouley. Foto: José Carlos Gómez

LA MUERTE DE DANTON, de Georg Büchner

Dirección general: Orlando Arocha

Estrenada en la Sala Anna Julia Rojas del Ateneo de Caracas, enero de 2004 Meche Barrios
María Eugenia Romero, Lisett Méndez, Mariele Araujo, Meche Barrios y Julio Bouley
Mariele Araujo

Mis producciones (y 2)

2008-01-17T20:52:00.000-04:30

H A M L E T, de William Shakespeare

Dirección general: Orlando Arocha

Estrenado en el Auditorio del Centro Cultural Corp Group, agosto de 2005

Premio Municipal de Teatro 2005-2006: Mejor Vestuario

De izq. a der.: Eulalia Siso, Mario Sudano, Gabriel Blanco, Alberto "Paisa" González, Alexander Leterni, Xavier Agudo, Diana Peñalver y Ricardo Nortier.

H A M L E T se presentó posteriormente en el XVI Festival Internacional de Teatro de Caracas 2006, y en Brasil, en el Teatro do SESC Consolaçao, Sao Paolo, y en el Teatro Municipal de Sao Jose do Rio Preto, en agosto de 2007.

De izq. a der.: Rober Calzadilla, Vicente Peña, Mario Sudano y Eulalia Siso.

A P A R T A M E N T O S X

Experimento urbano ideado por Matthias Lilienthal, Arved Schultze (ambos del Theater Hebbel-am-Ufer, Berlín) y Orlando Arocha, para el XVI Festival Internacional de Teatro de Caracas (abril de 2006)

¡Haz click en las imágenes para leer!

APUNTES DE COCINA DE LEONARDO DA VINCI reconocida por la prensa brasileña

2008-01-02T11:08:00.000-04:30

Haz click en la imagen para aumentar el tamaño

Juan Martínez de la Vega gana el Premio Tirso de Molina 2007

2007-12-26T15:34:00.000-04:30

Ha sido la mejor noticia de fin de año para él y para sus amigos. Julia, o la belleza, una de las varias y extraordinarias obras que el Profe escribió cuando vivía en Caracas, ha sido premiada por el jurado del Tirso de Molina de este año. La noticia completa pueden leerla aquí:

http://www.aeci.es/03coop/1activ_coop/tirso_molina2007.htm

Julia, o la belleza forma parte de la serie El destino y la gracia, a la que pertenece también Port-Royal, a mi juicio, su texto más hermoso, difícil y ambicioso: una reflexión dramática sobre la existencia como sentido. Julia, en cambio, es casi un guión del mejor cine de aventuras: un aprendiz de pintor parte en una loca peregrinación a Roma para ver de cerca la momia de Julia, la joven más hermosa que viviera en la época imperial. Lleno de humor y de agudas reflexiones sobre el arte y la vida, no me cabe duda de que si había un destino para Julia, o la belleza, era este merecidísimo premio.

¡Salud, Profe!

P.S.: Pronto postearé aquí un fragmento de la obra.

Juan Martínez de la Vega en el Parador de Monforte de Lemos, otoño de 2007

Gira A R L E Q U Í N C A R I B E (IV)

2007-12-11T00:52:00.000-04:30

Páginas dedicadas al espectáculo en el programa de noviembre de la Scene Nationale de Bayonne Sud Aquitain.
Con Maga en la playa Chambre d'Amour, en Anglet, y el faro de Biarritz al fondo.
Mis dos favoritas: Loló (Beatrice Rasponi) y Maga (Clarice).
Con los amigos del Théatre du Versant, cenando en la sede de la compañía la noche de nuestra llegada a Biarritz. Gaël Rabas, el director, al fondo.
Loló y Adri calentando antes de la función en Bayonne.

Gira A R L E Q U Í N C A R I B E (III)

2007-12-11T00:22:00.000-04:30

Aficheta del espectáculo creado por la Scene Nationale de Bayonne Sud Aquitain, en un bar de la ciudad.
María Isabella Méndez es una actriz venezolana a quien no solo quiero y admiro muchísimo: su trabajo realmente me inspiró y me dio un impulso definitivo para empezar a dirigir profesionalmente. María Isabella vive en Barcelona desde hace cuatro años. En esa ciudad, y después de desearlo durante mucho tiempo, trabajaremos juntos en 2008, en una nueva versión de Cartas de amor de la monja portuguesa. Aquí está junto a una creación de su hermana, Mariana Méndez, maravillosa diseñadora.
Otro gran amigo, Juan Martínez de la Vega, vive desde hace tres años en Monforte de Lemos, provincia de Lugo, Galicia. Con él tuve la dicha de compartir muchas anécdotas de la época en que yo era su alumno de Teatro y de Historia de la Cultura en la Católica, sus agudos análisis políticos y unas brochetas de rape y langostinos con dos botellas de albariño que no olvidaré nunca. Del "Profe" montaré este año Mamie, una farsa delirante sobre la paternidad, el sexo y el miedo a la muerte.
La Nena (Dottora) y Georges Nesly (Pantalone): el romance más sonado de la gira :-)
Nuestro Dodge en el área de descarga de la Scene Nationale de Bayonne Sud Aquitain, el día que entramos a sala.

Gira A R L E Q U I N C A R I B E (II)

2007-12-10T16:02:00.000-04:30

Programa de octubre-noviembre-diciembre 2007 del Théatre du Pont Tournant, en el distrito de Bacalan, Bordeaux, donde nos presentamos el 15, el 16 y el 17 de noviembre.
Con mis amigos de Segovia, el Lucas, músico y melómano, y el Mono (Guillermo Berdugo), ilustrador y pintor, y a quien la Reina Sofía de España entregará la próxima semana una medalla por la Mención de Honor que le dio el jurado del Salón de Pintura BMW 2007.

Más info en http://gberdugo.blogspot.com/ :-)

Casa Okupa vista desde el Parque Güell, Barcelona. "¿Por qué lo llaman temporada de turistas si no podemos dispararles?"

En un rincón de la casa del Théatre du Versant cuelga esta máxima: "No es necesario estar loco para trabajar aquí... ¡Pero ayuda!"

En el Théatre du Pont Tournant, los jueves están dedicados a los impedidos de audición: varios micrófonos puestos en el escenario amplifican en pequeños aparatos individuales el sonido de la escena, y también se proyectan títulos. Tomada desde la cabina de sonido...

Gira A R L E Q U Í N C A R I B E (I)

2007-12-10T10:00:00.000-04:30

Recién llegados a Madrid, el 22 de octubre de 2007, con mucho tiempo para perder hasta el vuelo a Jerez de la Frontera. Con Maga y Georges. La foto la tomó Adriana, la mejor fotógrafa de la gira.
El afiche del espectáculo en una tienda de Anglet.
Nuestro Dodge, en período de reparación después de las funciones de Cádiz y Cazorla. Sede del Théatre du Versant, noviembre de 2007.
El día de la última función en Bordeaux, Maga y yo nos escapamos a la ciudad medieval de Saint-Emilion, a unos 40 kilómetros de Bordeaux. Sin duda, uno de los lugares más hermosos visitados durante la gira. Aquí, en el Clos La Madeleine. ¡Vinos increíbles!
Minutos antes de la primera función en Bordeaux, Orlando da algunas indicaciones al elenco.

ARLEQUÍN CARIBE: nota de prensa y postal

2007-10-13T23:29:00.000-04:00

TEATRO DEL CONTRAJUEGO y THÉÂTRE DU VERSANT
Presentan

A R L E Q U Í N C A R I B E

La célebre comedia de Goldoni Servidor de dos patrones en un giro caribeño, colorido y multilingüístico

Teatro del Contrajuego presenta ARLEQUÍN CARIBE, co-producción con la compañía Théâtre du Versant, de Biarritz, espectáculo interpretado en cinco idiomas: español, francés, portugués, veneciano antiguo y creole que toma como base el célebre texto de Carlo Goldoni Servidor de dos patrones.

ARLEQUÍN CARIBE hará dos únicas funciones en Caracas, el 18 y el 19 de octubre, a las 7:00 pm, en el Teatro Luis Peraza en Los Chaguaramos. El espectáculo saldrá luego de gira y se presentará en el Festival Iberoamericano de Cádiz, el Festival Internacional de Teatro de Cazorla, el Liceo Francés de Madrid, el Théâtre du Pont Tournant de Burdeos, el Théâtre Saint Louis de Pau, y la Scène Nationale de Bayonne Sud Aquitain.

El punto de partida del montaje, propuesto por Gäel Rabas, director del Centre de Recherche Théâtrale International de Biarritz, y Orlando Arocha, director general del Teatro del Contrajuego, es la puesta en interrogación de un «clásico» veneciano para colocarlo en una nueva perspectiva, en la transformación radical de su contexto. Se trata de la obra de Carlo Goldoni pero trabajada desde su sustancia, modificando el paisaje, la música, el tinte, pero preservando su energía primaria. Goldoni, heredero y contestatario de la comedia veneciana, describe en su obra, de forma humanamente cómica, las relaciones sociales universales, la relación sirviente-patrón, dominante y dominado.

El espectáculo propone fusionar la herencia de la commedia dell’ arte europea y artistas de un Caribe vibrante, voluptuoso y, ¿por qué no?, mítico. Un proyecto de estas características ha requerido que se reúnan en Caracas actores y creadores de procedencias idiomáticas y geográficas variadas: Ricardo Nortier, brasileño de Minas Gerais, interpretará a Arlequín; George Nesly, actor, director y dramaturgo de la Troupe Teatrale Ayizan de Haití, hará el Pantalone; Loló Blaumann, venezolana residenciada en París desde 1999, hará Beatrice; Harold Chadru, joven actor de Saint Martin, interpretará a Florindo, María Elena Duque, actriz oriunda de Colombia, con diez años en Venezuela, hará la Dottora. Completan el elenco los jóvenes actores venezolanos Magaly Serrano (Clarice), Francisco Bravo (Silvio), Yhojan Zambrano (Briguella), y Adriana Devia (Smeraldina). La producción en Caracas es de Juan José Martín, el diseño de vestuario, diseño de escenografía y la puesta en escena es de Orlando Arocha, y la dirección general de Orlando Arocha y Gaël Rabas. ARLEQUÍN CARIBE cuenta con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Istituto Italiano di Cultura.

Más información:
Juan José Martín
0412-619 30 66
http://juanjosemartin.blogspot.com/

TEATROFUSIÓN////THEATREFUSION

2007-10-05T01:02:00.000-04:00

Espacio diseñado por Orlando Arocha

En un mundo cruzado por hilos de trasvase comunicacional, por canales de difusión masiva de mensajes y una incesante actividad migratoria (temporal, forzada, libre o indeterminada), el teatro vive a su vez un intenso proceso de absorción y de reflexión sobre el mundo en el que se produce, el mundo sobre el cual reflexiona, el mundo que padece, del cual se convierte en espejo para su transformación.

Magaly Serrano y Francisco Bravo

El Teatrofusión no es más que la evolución natural y la búsqueda y transformación de esas corrientes que no cesan y que hacen prácticamente imposible la fijación de la mirada. Teatrofusión es el producto, provisional y apenas decantado, de esa mirada no fija, dinámica, una mirada que flota sobre la marea de las transformaciones profundas de lo que se ha dado en llamar civilización, pero que ocasionalmente se suspende y ofrece un retrato de esa lava en avance, de esa amalgama de miradas, de sujetos, de culturas.

Ricardo Nortier y Harold Chadru

Teatrofusión es la integración y búsqueda de aquello que en apariencia hace un poderoso juego de contraste, pero que hace vida arcana común. Distintas culturas, distintas lenguas, pero, al modo de Calderón, un único escenario del mundo. Historias de lo humano radical, de lo humano en su más rico plumaje tornasolado, matices del espíritu concretado en unas danzas, en unas frases y gestos que se encuentran en la escena y dan esa panorámica de la civilización, una fusión incesante.
Yhojan Zambrano y Ricardo Nortier

El intercambio y el reconocimiento de lo propio en lo ajeno como práctica estética, como vehículo de crecimiento, gimnasia de la tolerancia, el respeto y el asombro ante aquello que nos habla en idiomas tan lejanos y tan perfectamente inteligibles. El teatro como lugar de encuentro, de hermandad y de confrontación nutricia, necesario lugar para la preservación y valoración de lo humano y su diversidad.

Orlando Arocha

María Elena Duque, Georges Nesly y Ricardo Nortier

Preparando A R L E Q U I N C A R I B E

2007-10-05T00:52:00.000-04:00

Orlando Arocha dirigiendo a Harold Chadru y Ricardo Nortier

Ya estamos ensayando el nuevo espectáculo de Teatro del Contrajuego: ARLEQUÍN CARIBE, co-producción con la compañía Théâtre du Versant, de Biarritz, que será interpretado en cinco idiomas: español, francés, portugués, veneciano antiguo y creole.

Está previsto que hagamos dos funciones en Caracas, el 18 y el 19 de octubre, en el Teatro Luis Peraza. Luego saldremos de gira y nos presentaremos en el Festival Iberoamericano de Cádiz, el Festival Internacional de Teatro de Cazorla, el Liceo Francés de Madrid, el Théâtre du Pont Tournant de Burdeos, el Théâtre Saint Louis de Pau, y la Scène Nationale de Bayonne Sud Aquitain.

Georges Nesly (Haití) y Harold Chadru (Saint Martin)

La intención de partida, propuesta por Gäel Rabas, director del Centre de Recherche Théâtrale International de Biarritz, y Orlando Arocha, director general del Teatro del Contrajuego, es la puesta en interrogación de un «clásico» veneciano, colocarlo en una nueva perspectiva, en la transformación radical del contexto. Se trata del «Servidor de dos patrones», de Carlo Goldoni, pero trabajado desde su sustancia, en la búsqueda de la energía primaria que cambia la sustancia, la energía primera. Modificando el paisaje, la música, el tinte, ¿en qué se transforma la risa goldoniana? Goldoni, heredero y contestatario de la comedia veneciana, describe en su obra las relaciones sociales universales, la relación sirviente-patrón, dominante y dominado. Habla humanamente.

Loló Blaumann y Magaly Serrano

El espectáculo propone fusionar la herencia de la commedia dell’ arte europea y artistas de un Caribe vibrante, voluptuoso y, ¿por qué no?, mítico. Un proyecto excepcional ha requerido que se reúnan en Caracas actores y creadores de procedencias idiomáticas y geográficas variadas: Ricardo Nortier, brasileño de Minas Gerais, interpretará a Arlequín; George Nesly, actor, director y dramaturgo de la Troupe Teatrale Ayizan de Haití, hará el Pantalone; Loló Blaumann, venezolana residenciada en París desde 1999, hará Beatrice; Harold Chadru, joven actor de Saint Martin, interpretará a Florindo; María Elena Duque, actriz oriunda de Bucaramanga, Colombia, con diez años en Venezuela, hará la Dottora. Completan el elenco los jóvenes actores venezolanos Magaly Serrano (Clarice), Francisco Bravo (Silvio), Yhojan Zambrano (Briguella), y Adriana Devia (Smeraldina).

Magaly Serrano y Georges Nesly

Antes de dirigir...

2007-09-10T20:44:00.000-04:00

...actuaba y ¡escribía crítica!

En La plazoleta, de Carlo Goldoni, dirigida por Mario Sudano. Taller Estudio Teatral del Teatro del Contrajuego, mayo de 1999. Foto: Roland Streuli

Lectura dramatizada de Miss, de Gustavo Ott, dirigida por Ignacio Márquez para el Festival Internacional de Teatro de Caracas, marzo de 2000. En la foto: Fabiola Colmenares, Yugui López, Andreína Blanco y yo.

En Leonce y Lena, de Georg Büchner, dirigida por Juan Cordido y María Fernanda Ferro. Taller El Arte del Actor del Centro de Creación Artística TET, octubre de 2001.

(Haz click en la imagen para agrandarla)

Durante aproximadamente año y medio escribí colaboraciones para El Universal, por encargo de Blanca Elena Pantin, quien entonces dirigía las páginas culturales de ese diario. Yo tenía 21 años y quería escribir como Pedro Argullol, Fernando Savater y Massimo Desiato juntos...

G A L I L E O (2002)

2007-09-10T20:04:00.000-04:00

En mayo de 2002 estrenamos GALILEO, un proyecto que nació y se gestó durante las muchas, gozosas e intensas conversaciones del grupo Delfos, integrado por nuestro admirado y querido profesor de Historia de la Cultura, Juan Martínez de la Vega, y tres de sus alumnos del segundo año de Comunicación Social de la UCAB: Sami Rozenbaum, Eduardo Fuenmayor y yo. Apenas el apunte de una ilusión ("hacer un Vida de Galileo Galilei, de Brecht, en el Planetario Humboldt..."), en 1998 no teníamos idea de que el proyecto acabaría haciéndose cuatro años (dos y medio de trabajo en la adaptación del texto) y muchas discusiones y períodos reflexivos después.

Gracias al esfuerzo conjunto del Teatro del Contrajuego, Teatro de la Noche, Fundaplanetario y la Armada de Venezuela, GALILEO hizo una breve temporada de nueve funciones. El personaje del astrónomo italiano fue interpretado soberbiamente por un Alberto Marín que, qué duda cabe ahora, había nacido para encarnarlo. Muy merecido estuvo el Premio Municipal de Teatro al Mejor Actor que le dieron ese año. En el elenco estuvieron inmejorables compañeros de viaje: Julio Bouley, Ludwig Pineda, William Goite, William Cuao, Simona Chirinos, Migle González, Alejandro Míguez, Ana Castelluci y Wilmer Pérez. La dirección musical estuvo a cargo de Fernado Roa. Las máscaras fueron realizadas por Oscar Salomón.

William Goite (Metemático) y Alejandro Míguez (Teólogo)

Julio Bouley (Andrea Sarti) y Alberto Marín (Galileo Galilei)

Alejandro Míguez (Pequeño monje) y Julio Bouley (Andrea Sarti)

Fotos: Roland Streuli

(Haz click en la imagen para agrandarla)

Crítica publicada en El Nacional, escrita por Diego Casasnovas

PASOS (2001)

2007-09-09T17:00:00.000-04:00

Fotos: José Carlos Gómez

En enero de 2001, estrené, en la Sala Luis Peraza, mi primer montaje profesional: PASOS, de Antonio Álamo (autor de YO, SATÁN). En él actuaban Antonieta Colón y Alejandra Viscuña.

Una mujer, Nuria, quiere desocupar y alquilar el apartamento donde vive su mamá para salir de apuros económicos. Pero Carmen, su madre, no cede fácilmente: ha escuchado voces, y sospecha que provienen del baño, donde dos cucarachas viven "muertas de miedo" en la esquina del bidé. Carmen asugura que las cucarachas intentan comunicarse con ella, y no se irá del apartamento hasta que descubra qué quieren decirle. En efecto, las cucarachas (interpretadas por las mismas actrices) han huido de la fumigación del apartamento de abajo. A punto de morir, reflexionan sobre los "pasos", esas criaturas extrañas que, a diferencia de las cucarachas, "actúan solo después de pensar, lo cual no impide que se equivoquen a cada rato".

PASOS recibió los premios a la Mejor Dirección (compartido), Mejor Iluminación (Andreína Arteaga) y Mejor Escenografía (Jesús Barrios) en el Primer Encuentro de Directores para el Nuevo Teatro, organizado en 2001 por el Grupo Theja y por el Centro de Directores para el Nuevo Teatro.

Antonieta Colón (Carmen) y Alejandra Viscuña (Nuria)

Escena en creación 1: Las neurosis sexuales de nuestros padres

2007-09-09T16:40:00.000-04:00

LAS NEUROSIS SEXUALES DE NUESTROS PADRES, de Lukas Bärfuß

Lectura dinamizada en la Sala José Iganacio Cabrujas

de la Fundación Chacao

Jueves 8 de marzo de 2007

Con Nelly Garzón, Bárbara Correa, William Goite, Ludwig Pineda, Marco Alcalá, Myriam Pareja y Newton Rauseo

Dirigida por Juan José Martín

Espacio escénico de Juan José Martín y Orlando Arocha

Dora es una chica que padece un trastorno de personalidad histérica. Su madre decide suspender el tratamiento que adormece sus instintos. Lo que sucede de ahí en adelante es tan hilarante como cruel.

Bárbara Correa (Dora)

Minutos antes de la función: "Muchachos, sobre todo, ¡ritmo!"

Newton Rauseo (Papá de Dora), Ludwig Pineda (Doctor), Bárbara Correa (Dora) y William Goite (El señor muy fino)

Escena en creación 2: Llueve en Barcelona

2007-09-09T16:05:00.000-04:00

LLUEVE EN BARCELONA, de Pau Miró

Lectura dinamizada en la Sala José Ignacio Cabrujas

de la Fundación Cultural Chacao

Domingo 11 de marzo de 2007

Con Erich Wildpret, Ana Melo y Markel Méndez

Dirigida por Juan José Martín

Espacio escénico de Orlando Arocha

Lali, una prostituta que hace la calle, busca salir de la medianía de su vida junto a Carlos, su chulo y pareja. David, el melancólico librero cliente de Lali, busca superar con ella la soledad y la inminente muerte de su esposa.

Ana Melo (Lali) y Markel Méndez (David)

Erich Wildpret (Carlos), Ana Melo (Lali) y Markel Méndez (David)

Nuevas fotos de VÍRGENES NEGRAS

2007-09-07T07:47:00.000-04:00

Fotos tomadas por Gabriel Osorio durante el ensayo general

De izquierda a derecha: Mónica Quintero, Magaly Serrano, María Fernanda Ferro, Fedora Freites, Mariela Reyes y Louani Rivero

"¿Qué es la cultura alemana? Respuesta: BASURA"

Magaly Serrano

Fedora Freites

"Y aquí, en Berlín, empecé a rezar las oraciones que aprendí cuando niña."

Regresa Y O, S A T Á N

2007-07-21T14:58:00.000-04:00

PREMIO MUNICIPAL DE TEATRO 2006-2007: Mejor Producción, Mejor Director y Mejor Actor de Reparto (William Goite)

YO, SATÁN vuelve al sótano de la Basílica de San Pedro

Una comedia que aborda el tema de la Iglesia como imperio bajo el cual millones de feligreses
convergen como si se tratase de una multinacional

Después de su primera y exitosa temporada en 2006, el Centro de Creación Artística TET y la agrupación Teatro del Contrajuego unen fuerzas de nuevo para presentar Yo, Satán, original del dramaturgo español Antonio Álamo, versión de su novela Nata Soy. Se trata de una comedia dirigida por Juan José Martín que podrá ser disfrutada por el público desde el viernes 3 de agosto hasta el domingo 2 de septiembre en el Teatro Luis Peraza de Los Chaguaramos. En la obra, el autor se sirve de una intriga al estilo policial (un misterioso dossier, espias al acecho, tramas para asesinar a jerarcas incómodos…) salpicada de humor, y de una galería de oscuros personajes (cardenales, exorcistas, burócratas y hasta el mismo Papa), para ofrecernos un irónico acercamiento al Vaticano actual.

La obra presenta con mucha ironía y humor una situación curiosa: si el Papa empezara a dudar de la existencia del Espíritu Santo, ¿cuáles serían las consecuencias? El personaje central de Yo, Satán, fray Gaspar Olivares, llega al Vaticano y se encuentra un panorama inquietante: se ve obligado a admitir que el comportamiento del Santo Padre deja mucho que desear. Recelos e intrigas se han adueñado de la Santa Sede y parece peligrar la continuidad de la Iglesia…

El propio Álamo, al definir su obra, dice “que es un thriller cómico y una opereta metafísica. Yo, Satán habla de la multinacional más antigua que existe sobre este planeta, y la expresión no pertenece sino al teólogo Leonard Boff. En todo caso se trata de una organización que cuenta con más de mil millones de almas y que se ha visto obligada a mutar constantemente para adaptarse a los cambios históricos. De modo asombroso la Iglesia siempre ha sabido ocupar un lugar preeminente. Quien sostenga que su poder real ha disminuido en el presente va totalmente descaminado. Basta con pensar en la caída del comunismo, uno de cuyos principales artífices ha sido el anterior Papa. Sí, lo que no se pudo lograr con la amenaza de todos los misiles atómicos del otro medio mundo, lo hizo ese pequeño estado de apenas 44 hectáreas.”

Yo, Satán cuenta con las actuaciones de Omar Gonzalo (Premio Nacional de Teatro 2006), Guillermo Díaz Yuma, Alexander Leterni, Ludwig Pineda, Israel Moreno, Jesús Sosa y Maiker Flores. El diseño de vestuario y escenografía es de Orlando Arocha, el sonido y mezcla de Xavier Agudo, el diseño de iluminación del propio director Juan José Martín y la producción general de las agrupaciones Centro de Creación Artística TET y Teatro del Contrajuego.

El poder de la Iglesia continúa
Según lo indica el director, la puesta en escena de Yo, Satán es muy respetuosa del universo del texto, el cual plantea una visión fuerte, coherente y a la vez sugestiva, polémica. “Es una comedia sobre el poder, un poder que se erige sobre la base de un discurso que empieza a cuestionarse a sí mismo.” En el caso del trabajo de los intérpretes, Martín señala que las situaciones mientras más serias, a mayor gravedad, a mayor tensión, más graciosas le resultarán al espectador. Otro elemento curioso de este montaje es la posibilidad que tiene el espectador de presenciar una comedia, cuyos protagonistas son obispos y frailes, en unos espacios subterráneos hasta adonde llegan los ecos de la misa que se celebra en la Basílica de San Pedro, unos pocos escalones más arriba.

Estreno: Viernes 3 de agosto a las 7:00 p.m.
Temporada: Desde el viernes 3 de agosto hasta el domingo 2 de septiembre
Horario: Viernes y sábados a las 7:00 pm y domingos a las 6:00 pm
Entradas: General Bs. 15.000 / Estudiantes y 3era. edad Bs. 10.000
Lugar: Teatro Luis Peraza, al lado de la Basílica de San Pedro, Valle Abajo,
Los Chaguaramos, Teléfono 662-3633.

Para más información:
Juan José Martín – Director
0412-619 30 66
juanjosemartin.blogspot.com
yosatancaracas.blogspot.com

Último fin de semana de VÍRGENES NEGRAS

2007-06-28T20:32:00.000-04:00

V Í R G E N E S N E G R A S

2007-06-25T21:05:00.000-04:00

Fotos: Juan José Martín
Vírgenes negras es una puesta en escena del Centro de Creación Artística Taller Experimental de Teatro TET basada en los monólogos semi-documentales de los escritores Feridun Zaimoglu y Günter Senkel. Un diálogo controversial entre culturas, que toma como base entrevistas con jóvenes mujeres musulmanas, quienes se expresan de manera abierta y a menudo cruda sobre su vida, su relación con la fe y el sexo. Guerra Santa y aventuras prohibidas, Hijab y Jijad, revolución islámica, una vida como madre y esposa como el logro de la plenitud, la ortodoxia doméstica y el impulso liberador… Las vírgenes negras de esta historia sólo tienen una cosa en común: su radicalidad.

Seis monólogos dirigidos por Guillermo Díaz Yuma, Diana Peñalver, Juan José Martín, Humberto Ortiz y Juan Cordido, interpretados por Louani Rivero, Mónica Quintero, Magaly Serrano, Mariela Reyes, Fedora Freites y María Fernanda Ferro.

Lugar: Teatro de la Asociación Cultural Humboldt (Goethe Institut-Caracas), San Bernardino
Fechas: Sábado 23, domingo 24, sábado 30 de junio, y domingo 1ero de julio
Horario: 6:00 pm
Entrada libre

Berlín, mayo 2007. Fotos

2007-05-24T20:37:00.000-04:00

En Berlín. Mai 05-20.05.07 La Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz
Vírgenes negras...
Palast der Republik, en plena demolición
Memorial de las víctimas judías de 2da Guerra Mundial

En Berlín-Mai 05.-20.05.2007

2007-05-21T21:16:00.000-04:00

Frente al Deutsches Theater
Con Bertolt Brecht
El Bode Museum, en restauración
El hall de la mítica Völksbühne

AMOR DE DON PERLIMPLÍN CON BELISA EN SU JARDÍN

2007-03-26T22:26:00.000-04:00

Fotos del taller montaje

AMOR DE DON PERLIMPLÍN CON BELISA EN SU JARDÍN

Septiembre de 2006
Teatro Luis Peraza

Con Carla García, Ana Melo, Yazel Parra y Marcela Pautt

Dirección general: Juan José Martín

Fotos de la función del 25 de marzo de 2007 en la Concha Acústica de Bello Monte

E S C E N A E N C R E A C I Ó N

2007-02-22T20:25:00.000-04:00

Del 2 al 11 de marzo de 2007
Teatro del Contrajuego
presenta
E S C E N A E N C R E A C I Ó N
Ciclo de lecturas dinamizadas de la nueva dramaturgia europea y latinoamericana,
una mirada a la vanguardia del teatro mundial en Caracas

Durante las dos primeras semanas de marzo, el público de Caracas podrá entrar en contacto con la más sorprendente dramaturgia de vanguardia, representada en el ciclo ESCENA EN CREACIÓN 2007. LECTURAS DINAMIZADAS DE LA NUEVA DRAMATURGIA EUROPEA Y LATINOAMERICANA. De España, Francia, Suiza, Alemania y el Reino Unido son los autores de estas arriesgadas e impactantes historias que hablan de la precariedad de la vida, del feroz despertar a la sexualidad de una trastornada mental, de la ironía vital que subyace en los viejos manuales de comportamiento y de una sociedad y unos individuos enloquecidos tratando de sobrevivir en una posguerra civil. También se leerán dos obras recientes de autores latinoamericanos: la comedia macabra Crímenes elegantes (Colección Teatro Brasilero), de José Antônio de Souza, y la desopilante visión de la familia venezolana de Parece que va a temblar, de Ricardo Nortier.

En las lecturas dinamizadas (o semi-montados, género híbrido a medio camino entre la lectura y la puesta en escena) actuarán veintisiete de los más destacados intérpretes de la escena nacional, como Antonieta Colón, Diana Volpe, Carlos Sánchez Torrealba, Gladys Prince, Nelly Garzón, Erich Wildpret, Carlota Sosa, William Goite, María Elena Duque, Haydée Faverola, Ludwig Pineda y Catherine Cardozo, entre otros, bajo la dirección de Orlando Arocha, Ricardo Nortier, Juan José Martín y Juan Cordido.

El proyecto, creado por el Teatro del Contrajuego, cuenta con el apoyo de la Fundación Cultural Chacao, la Alianza Francesa, la Embajada de Francia, el Goethe-Institut Caracas, el British Council, el Instituto Cultural Brasil-Venezuela, la Embajada de España y la Agencia Española de Cooperación Internacional.

Las funciones serán de jueves a sábado a las 8:00pm y los domingos a las 6:00pm, en la Sala José Ignacio Cabrujas de la sede de la Fundación Chacao, ubicada en la Avenida Francisco de Miranda con 3º Avenida de Los Palos Grandes, C.C. El Parque, nivel C-1 (al lado de Parque Cristal). Los teléfonos son 286 41 22 y 286 44 68. El acceso a la sala será por la 3º Avenida de Los Palos Grandes. Las entradas tendrán un valor de Bs. 5.000,oo.

P R O G R A M A C I Ó N

Viernes 2 de marzo
F r a n c i a
LAS REGLAS DEL SABER VIVIR EN LA SOCIEDAD MODERNA
De Jean-Luc Lagarce
Dirigida por Orlando Arocha
Con Gladys Prince, Diana Volpe y Haydée Faverola
Tres damas ofrecen una conferencia sobre el comportamiento correcto en sociedad, lo que da lugar a una visión irónica y desarmada de la vida y sus vicisitudes y futuribles.
Con el auspicio de la Alianza Francesa y la Embajada de Francia

Sábado 3 de marzo
A l e m a n i a
ELDORADO
De Marius von Mayenburg
Dirigida por Juan Cordido
Con María Antonieta Ardila, William Goite, Andreína Blanco, Alexander Leterni, Migle González y Robert Calzadilla
En el contexto de una hipotética posguerra, un grupo de personajes (dos extrañas parejas, una estudiante de piano, un jefe tirano) entrelazan sus vidas en una desesperada utopía, nunca demasiado concientes de que ese sueño pende de un hilo a cada segundo más delgado.
Con el auspicio del Goethe-Institut Caracas

Domingo 4 de marzo
R e i n o U n i d o
EL SOPLO DE LA VIDA
De David Hare
Dirigida por Ricardo Nortier
Con Carlota Sosa y Catherine Cardozo
Melodrama contemporáneo en el que dos mujeres, antiguas rivales que amaron al mismo hombre, se encuentran después de muchos años para echar una mirada nostálgica y descarnada del pasado.
Con el auspicio del British Council

Jueves 8 de marzo
S u i z a
LAS NEUROSIS SEXUALES DE NUESTROS PADRES
De Lukas Bärfuss
Dirigida por Juan José Martín
Con Nelly Garzón, Bárbara Correa, William Goite, Ludwig Pineda, Marco Alcalá, Myriam Pareja y Newton Rauseo
Dora es una chica que padece un trastorno sexual histérico. Su madre decide suspender el tratamiento que adormece sus instintos. Lo que sucede de ahí en adelante es tan hilarante como cruel.

Viernes 9 de marzo
V e n e z u e l a
PARECE QUE VA A TEMBLAR
De Ricardo Nortier
Dirigida por Orlando Arocha
Con Antonieta Colón, Carlos Sánchez Torrealba, María Elena Duque, Magaly Serrano y Alí Rondón
Visión turbia e hilarante del país a través de los miembros de una familia desestructurada, hecha con retazos de la vida y del folklore contemporáneo.

Sábado 10 de marzo
B r a s i l
CRÍMENES ELEGANTES

(Colección Teatro Brasilero)
De José Antônio de Souza
Dirigida por Ricardo Nortier
Con Ricardo Nortier, Carolina Torres y María Elena Duque
Comedia macabra en la que una pareja burguesa, enfermos de tanto leer la crónica roja, decide matar a su criada porque sospechan que pronto ella podría asesinarlos a ellos. Con lo que no cuentan es con que ciertos individuos pueden volver de la muerte.
Con el auspicio del Instituto Cultural Brasil-Venezuela

Domingo 11 de marzo
E s p a ñ a
LLUEVE EN BARCELONA
De Pau Miró
Con Erich Wildpret, Ana Melo y Markel Méndez
Lali, una prostituta que hace la calle, busca salir de la medianía de su vida junto a Carlos, su chulo y pareja. David, el melancólico librero cliente de Lali, busca superar con ella la soledad y la inminente muerte de su esposa.
Dirigida por Juan José Martín
Con el auspicio de la Embajada de España y la Agencia Española de Cooperación Internacional

Échenle un vistazo al blog de mi más reciente trabajo

2007-02-07T22:14:00.000-04:00

Y o, S a t á n

de Antonio Álamo

http://yosatancaracas.blogspot.com

Fotos CARTAS DE AMOR DE LA MONJA PORTUGUESA

2006-08-13T10:30:00.000-04:00

Cartas de amor de la monja portuguesa

2006-08-02T23:31:00.000-04:00

Cartas de amor de la monja portuguesa

2006-08-01T08:42:00.000-04:00

Teatro del Contrajuego presenta

CARTAS DE AMOR DE LA MONJA PORTUGUESA

Monólogo basado en las epístolas atribuidas a Sor Mariana Alcoforado

A partir del viernes 18 de agosto el público podrá disfrutar del monólogo Cartas de amor de la monja portuguesa, espectáculo basado en las misivas que presuntamente escribiera y enviara Sor Mariana Alcoforado, monja del Convento de Nuestra Señora de la Concepción de Beja, al militar francés Noël-Bouton Conde de Chamilly.

En 1665, Portugal está en guerra con España. Francia se alía con el reino luso y numerosas tropas galas llegan a Portugal. En 1665, y con veinticinco años de edad, un suceso trastorna la vida entera de Mariana Alcoforado y proyectará su figura hacia la inmortalidad: conoce al Conde de Chamilly. El campo de ejercicios de la tropa se encuentra a la vista del convento, y las monjas, enterradas vivas en la aspereza y soledad de la vida monacal, contemplan frecuentemente desde los balcones y ventanas a la soldadesca durante el entrenamiento. El encuentro entre los amantes es facilitado por el hermano de Mariana, Baltasar, compañero de tropa de Noël-Bouton. Se cree que entre ellos el romance se mantuvo durante un año, de 1665 a 1666, y que las cartas fueron redactadas entre diciembre de 1666 y principios de junio de 1667. No obstante las dudas sobre la autenticidad de las epístolas, pues no se conservan originales en portugués, las cartas son famosas por la belleza y precisión con que describe el estado de enamoramiento y erotización del espíritu, el proceso que va desde la esperanza y la imaginación excitada hasta la dolorosa constatación de no ser correspondida en el furor amatorio.

Juan José Martín, director y productor del trabajo, toma como base las cartas y crea un espectáculo que pretende dar cuenta del amor como un género literario y como la más retadora aventura del espíritu y del conocimiento humano. Andreína Blanco da voz y cuerpo a la desesperada religiosa que, encerrada en su celda, usa sus paredes como grandes trozos de papel donde talla los relieves de sus violentas emociones. El espectáculo, que se presentará en la galería Los Espacios Cálidos del Ateneo de Caracas para un público de 25 personas en cada función, se vale de recursos multimedia para subrayar la dimensión investigativa y especulativa del montaje, pues cita, a lo largo de una hora, numerosos estudios recientes dedicados al comportamiento sicoquímico del enamorado. La belleza y complejidad de las cartas de la monja aunadas a la sucesión de datos científicos sobre el amor romántico hacen de las Cartas de amor de la monja portuguesa un trabajo que dejará a los espectadores profundamente conmovidos y haciéndose muchas preguntas sobre sus propias experiencias amatorias.

Cartas de amor de la monja portuguesa estará en cartelera desde el viernes 18 de agosto, en funciones los jueves, viernes y sábados a las 8:00 pm y domingos a las 7:00 pm. Las entradas tienen un valor de Bs. 15.000,oo (general) y Bs. 12.000,oo (jueves popular, estudiantes y tercera edad). El acceso al espectáculo será por la planta baja del edificio, y el público podrá disfrutar de la exposición Sangre de Jesús, del artista plástico y vitrinista Jesús Barrios, antes de las Cartas. El montaje cuenta con el diseño de las proyecciones de Xavier Agudo y la asesoría artística general de Orlando Arocha.

Sobre el director

Juan José Martín es director, productor y docente, miembro de Teatro del Contrajuego desde 2000. Nació en Caracas en 1977. Estudió en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello, de donde egresó en 1999. Se formó como actor en el Teatro del Contrajuego y en el Centro de Creación Artística Taller Experimental de Teatro. Ha dirigido Pasos, de Antonio Álamo (Teatro de la Noche, 2001), Galileo, de Bertolt Brecht (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2002), Una petición de mano (Tres miradas a Chéjov), de Antón Chéjov (Centro de Creación Artística TET, 2003, 2004 y 2005), El empresario teatral, de W. A. Mozart (Temporada de Ópera Breve del Ateneo de Caracas, 2003), La almohada mágica de Kantán, de Yukio Mishima (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2004), …feroz, de Diego Aramburo y Johnny Anaya (Teatro del Contrajuego, 2004), Las asambleístas, de Aristófanes (Instituto Universitario de Teatro, 2004), Juego del amor y del azar, de Marivaux (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2005), y Mejor se hubieran quedado en sus casas, güevones, de Rodrigo García (co-dirección de Orlando Arocha y Ricardo Nortier, Teatro del Contrajuego, 2006). Entre los trabajos producidos para Teatro del Contrajuego se encuentran La vida es sueño, de Calderón de la Barca (2000), Por un sí o por un no, de Nathalie Sarraute (2003), La muerte de Danton, de Georg Büchner (2004), y Hamlet, de W. Shakespeare (2005), todos dirigidos por Orlando Arocha. En septiembre de 2005 fue invitado por el British Council a participar en el I Taller Latinoamericano de Dirección, dictado por Declan Donnellan, director artístico de Cheek by Jowl, en el marco del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires. Actualmente prepara el montaje de Yo Satán, de Antonio Álamo, co-producción del Teatro del Contrajuego y el Centro de Creación Artística TET, a estrenarse en noviembre de 2006.

Sobre la actriz

Andreína Blanco es actriz, locutora y comunicadora social. Miembro de la agrupación Agoteatro, conformada por egresados de la UCAB. Ha participado en más de quince espectáculos, entre los que se cuentan ¿Y si no amanece?, de José Tomás Angola (dirección de Mario Sudano, Teatro del Canovaccio, 2001); Tartufo, de Moliére (dirección de Wilfredo García, Agoteatro, 2002); Madame de Sade, de Yukio Mishima (dirección de Virginia Aponte, Agoteatro, 2003); y El insólito viaje de los inocentes, de César Rengifo (dirección de Dairo Piñeres, Compañía Nacional de Teatro, 2004). Su más reciente e importante trabajo como actriz en televisión fue en Planeta de 6, primer sitcom venezolano, transmitido por Televen durante un año. Ha participado en los largometrajes Piel, de Oscar Lucién (1999), El Don, de José Ramón Novoa (2006), y Anónimos, de Enelio Fariña (por estrenar). También fue locutora del programa radial La hora pico, transmitido diariamente por 88.1 FM durante tres años. Actualmente dirige la Compañía de Teatro del Club Hebraica y es profesora de teatro de ASODECO, instituto para jóvenes y adultos con necesidades especiales. Además conduce una sección de noticias en Vamos al cine, programa que se trasmite los sábados en la mañana por Venevisión.

Contactos:
Juan José Martín
jjmsoto@yahoo.com
412-619 30 66

Petición de mano, de Antón Chéjov

2006-05-11T21:15:00.000-04:00

Tres miradas a Chéjov, del Centro de Creación Artística Taller Experimental de Teatro
Algunas fotos del montaje de 2004 (segunda versión)
Con Ludwig Pineda, Norma Monasterios y Humberto Ortiz
Dirección de Juan José Martín

MEJOR SE HUBIERAN QUEDADO EN SUS CASAS, GÜEVONES

2006-01-28T00:50:00.000-04:00

Teatro del Contrajuego presenta

MEJOR SE HUBIERAN QUEDADO EN SUS CASAS, GÜEVONES

de Rodrigo García, en un provocador espacio no convencional

Fotos: Juan José Martín

A partir del viernes 27 de enero, el público de Caracas podrá ver el provocador espectáculo MEJOR SE HUBIERAN QUEDADO EN SUS CASAS, GÜEVONES, basado en cinco monólogos del dramaturgo y director español Rodrigo García, director de La Carnicería Teatro (creador de Compré una pala en Ikea para cavar mi tumba, el polémico espectáculo presentado en el FITCaracas 2004). En los Espacios Cálidos del Ateneo de Caracas, los espectadores (solo 40 por función) deberán recorrer sus esquinas y confrontar a cinco individuos con historias que perturban, conmueven y se extravían en búsquedas de sentidos, inquietantes en la infancia, difusos y estúpidos en la adultez.

Con Mejor se hubieran quedado en sus casas, güevones, montaje dirigido por Orlando Arocha, Ricardo Nortier y Juan José Martín, el Teatro del Contrajuego asume un lenguaje franco, filosóficamente maltrecho y violento, libre de artificio, eficaz en su elocuencia obsesiva y cuestionadora de toda realidad y toda teatralidad, de todo gesto regulador y de todo código autoritario. Rodrigo García es un autor cuyo discurso, directo y cargado de contradicciones, ingenuo y fulminante, gira en torno a los seres humanos en su esencialidad más inquietante: toda acción, toda expresión y toda decisión no son más que reflejos aprendidos e insignificantes, y la lucidez no es más que la constatación de una maldición deontológica: el individuo no existe.

Cinco personas (imposible hablar de personajes) dirigen sus palabras, sus emociones, sus miradas, sus frustraciones y sus pensamientos a un público cercano, nunca más parecido a lo que ve “en escena”, donde toda teatralidad será escamoteada y puesta en entre dicho, donde todo discurso se aniquila en su enunciación, y donde todo ser humano se esfuerza hasta lo indecible por aferrarse a la poca humanidad que le va quedando.

En Mejor se hubieran quedado en sus casas, güevones actúan Mario Sudano, Alberto “Paisa” González, María Elena Duque, Alexander Leterni y Fedora Freites. El diseño de vestuario es de Orlando Arocha, el diseño gráfico de Ricardo Nortier, y la producción general del Teatro del Contrajuego. El montaje, que cuenta con el apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional y la Embajada de España, estará en cartelera hasta el 19 de febrero, de jueves a sábado a las 8:00 pm, y los domingos a las 6:30 pm. Las entradas están a la venta en la taquilla del Ateneo de Caracas y tienen un valor de Bs. 10.000,oo (general) y Bs. 8.000,oo (Jueves popular, estudiantes, ateneístas y tercera edad).

Sobre el autor

Rodrigo García nació en 1964, en Buenos Aires, Argentina. Su familia es española y desde 1986 vive y trabaja en Madrid. Es autor, escenógrafo y director de escena. Creó, en 1989, la compañía La Carnicería Teatro (su primer trabajo fue el de ayudante de carnicero, en el negocio de su familia). Desde ese entonces, la compañía ha realizado numerosas puestas en escena, siempre en la línea de la experimentación, la búsqueda de un lenguaje personal, alejado del teatro tradicional.

Apasionado de las artes plásticas, la gastronomía y el boxeo, Rodrigo García apuesta por la integración de diferentes lenguajes artísticos a la hora de construir un espectáculo, y está convencido de que el viejo modelo teatral ya no cumple función alguna, ya no comunica. Se mueve dentro de los ámbitos de lo que ha venido a denominarse el "teatro alternativo" y su estética podría encuadrarse en los parámetros de la posmodernidad. García propone una nueva estética porque reconoce la necesidad de una nueva ética. Su empeño en la exploración de nuevos caminos formales para el arte escénico responde a un impulso esencial de denuncia: "les decimos que no se puede estar verdaderamente a gusto en un sistema podrido".

Como autor, las principales influencias de Rodrigo García son, en una primera etapa, los escritores Samuel Beckett, Harold Pinter, Eduardo Pavlovsky, Fernando Arrabal y el director de escena Tadeusz Kantor. Más adelante, la escritura de García recibe influencias de los dramaturgos Heiner Müller y Thomas Bernhard, y de los novelistas Louis Fedinand Céline y Peter Handke. En la actualidad, tanto los textos como los espacios escénicos creados por Rodrigo García guardan algún parentesco con el trabajo de artistas plásticos, como lo son Jenny Holzer, Bruce Nauman, Gary Hill, Bill Viola o Sol Lewitt. Ha recibido premios por sus obras Reloj y Macbeth imágenes, y por sus puestas en escena de El dinero, Notas de cocina y El Padre.

Sobre el Teatro del Contrajuego

Teatro del Contrajuego es una de las agrupaciones artísticas más destacadas y sólidas de Venezuela. En 2005, el colectivo que dirige Orlando Arocha arribó a sus 18 años de funcionamiento ininterrumpido. Durante ese año, Teatro del Contrajuego estrenó tres espectáculos nuevos y realizó la lectura dinamizada de Bicho raro, de Cida Buarque y Marcus Tafuri, con gran aceptación de público y de crítica.

El primer trabajo de 2005 fue el montaje para toda la familia Bebezotes, original de los brasileros Cida Buarque y Marcus Tafuri, dirigida por Ricardo Nortier (marzo, Sala Horacio Peterson del Ateneo de Caracas; abril-mayo, Teatro Escena 8; julio-agosto, Celarg). Esta co-producción con Circuito de Arte Cênica fue elogiada por el crítico Carlos Herrera: “Un espectáculo que atrapa a la familia a ver y reir juntos ante un agudo texto y una ingeniosa representación (…). Una irreverente visión del regulador mundo del adulto” (Últimas Noticias, 2 de abril de 2005).

El segundo estreno fue Juego del amor y del azar, ganador de una Mención Honorífica del Premio Municipal de Teatro 2005 a la Mejor Dirección. Sobre el montaje escribió el periodista E. A. Moreno Uribe: "Caracas tiene un espectáculo que enseña unas cuantas cosas más sobre el amor y además advierte las similitudes que tiene la vida con unas cuantas frutas inocentes de lo que hacen con ellas. Hay un director que reafirma un estilo y un elenco como pocas veces habíamos visto, tanto por la corrección de su dicción, como por la entrega a su ritual" (El Mundo, 23 de mayo de 2005).

Finalmente, el polémico montaje de Hamlet, dirigido por Orlando Arocha, se convirtió en un verdadero suceso teatral en 2005. Sobre el audaz trabajo escribió el director Nicolás Curiel: "El Hamlet de Orlando Arocha es la más importante proposición hecha al teatro nacional sobre los poderes del teatro, como expresión de arte, para plantearle a una sociedad las verdades esenciales que angustian al ser humano. Hay que tener un gran coraje para abordar una pieza como Hamlet, una pieza estrella del repertorio universal, del teatro clásico, de Shakespeare, etc. ¡Oh, Dios mío, Hamlet! Son muchos siglos y el peso de la historia legándonos hábitos determinantes, ¿cómo hacerlo hoy? Mitología teatral de un monstruo poético, que han pretendido y pretenden amaestrar los creadores a través de las épocas, buscando claridad sobre el más genial misterio de la literatura dramática de todos los tiempos. Arocha pidió libertad plena a su imaginación y así nos descubre un nuevo Hamlet. Entre los hallazgos, uno tras otro sobre la escena, nos sorprende la clave de humor, que está en este Shakespeare y al cual no se le había dado el relieve necesario. El diálogo con su sociedad está propuesto y sobre todo a la juventud, con todas las artimañas necesarias a través del prestigio del arte".

Contactos con la agrupación:
Juan José Martín
412-619 30 66
prensacontrajuego@yahoo.com

Fotos EL EMPRESARIO TEATRAL (2003)

2005-11-12T18:13:00.000-04:00

Fotos de EL EMPRESARIO TEATRAL (2003)
Temporada de Ópera Breve del Ateneo de Caracas
Singspiel de W. A. Mozart
Adaptación del texto y dirección escénica de Juan José Martín

Fotos de LA ALMOHADA MÁGICA DE KANTÁN (2004)

2005-11-05T10:08:00.000-04:00

LA ALMOHADA MÁGICA DE KANTÁN, versión libre de un texto de Yukio Mishima, estrenado en el Jardín de Esculturas del Museo de Bellas Artes de Caracas, en marzo de 2004.

Juan Carlos Linares, bailarín butoh venezolano,

tuvo una participación muy especial en este espectáculo

Manuel Fajardo (Kiku) y Alexander Leterni (Jiro)

Manuel Fajardo (Belleza) y Alexander Leterni (Jiro)

Manuel Fajardo (Kiku)

Manuel Fajardo (Secretario)

Fotos: Orlando Arocha

Fotos ...f e r o z (2004)

2005-10-29T22:18:00.000-04:00

... f e r o z (2004) - Una crítica

2005-10-29T19:46:00.000-04:00

TRAS LAS SEÑALES DE LO OSCURO (II)
Por Carlos E. Herrera
Bitácora crítica

En la continuación del proyecto desarrollado por el Teatro del Contrajuego bajo la denominación de “Trayectos prohibidos”, se presenta desde el pasado jueves 17 de junio y hasta la primera semana del mes de julio en la sala Horacio Peterson del Ateneo de Caracas, la segunda entrega de este perspicaz ciclo. Me refiero al montaje titulado ...feroz, texto cuya autoría pertenece a los bolivianos Diego Aramburo y Johnny Anaya, el cual contó con la aplomada y profesional puesta en escena de Juan José Martín.

La línea argumental que expone ...feroz busca ingresar al lector/espectador en el ominoso relato de tres jóvenes mujeres pueblerinas (que en Bolivia son mejor conocidas como “cholitas”), sometidas al escarnio de una continua degradación personal y social. Atrapadas como marionetas del destino ven discurrir su existencia en la podredumbre de un mundo pervertido, bizarro y espurio, donde la ley del más fuerte –ley machista– termina empujándolas hacia un sino de perdición y desesperanza.

Ángulos dramáticos como el honor mancillado y la prostitución impuesta, la indolencia y un perverso juego de amor-odio donde la carne opaca al alma y los sentimientos son excusas, hace que cualquier devenir solo se traduzca en soterrada venganza, en hilvanar las oscuras conductas de lo abominable que emanan algunos seres cuyos sentimientos fracturados traducen la explotación del otro a fin de alcanzar la redención de sus retorcidas abyecciones.

Esta tragedia de Aramburo/Anaya es una inflexión dramatúrgica muy latinoamericana, entendible como un alcance al punto sin retorno de muchas mujeres colocadas al borde de una pugna perdida con la fatalidad. El discurrir de la anécdota de las hermanas Fortún Carrasco es el de mujeres que sucumben y sobreviven ante la ignominia desquiciada de su primo Lupo Fortún Carrasco, quien encarna un ser despreciable y sin asideros morales, y que es apenas un signo negativo que ha venido atenazando los destinos de muchas mujeres a lo largo de lo histórico social de un continente como el nuestro.

El trabajo de concretar la puesta en escena de ...feroz recayó en las manos del centrado director Juan José Martín. Su formación como director ha sido pausada pero firme, perspicaz y con conciencia de sus alcances y limitaciones. Debo afirmar que se expone como un creador que, sin prisa pero sin pausa, sabe lo que desea para sí y lo que desea concretar dentro del arduo proceso de definición de la nueva generación de puestistas venezolanos. Su acción escénica la ha venido confrontando desde finales de la década de los noventa, tanto en el área de la producción como en el de la dirección. Su búsqueda teatral como regisseur se ha ido plasmado con equilibrada sobriedad, manejo asertivo de los elementos significantes y con un ritmo dramático personal. Ya ha empezando a delinear un particular sentido de lo plástico/actoral como rúbrica de sus procesos de puesta.

Tras la callada pero trabajadora labor del joven Juan José Martín descubrimos autores y textos que han sido esclarecedores de su personal preocupación creativa: Pasos de Antonio Alamo, Galileo de Bertolt Brecht, Una petición de mano de Antón Chejov o La almohada mágica de Kantan de Yukio Mishima. Por medio de estos montajes nos ha ido demostrando su aplomado sentido de trabajar a fondo con el actor y de generar un cuidadoso preciosismo escénico en el trasfondo general de cada producción. Lo anterior no ha sido gratuito ni fortuito, debido a su aprendizaje junto al grupo Teatro del Contrajuego, al cual le ha producido algunas propuestas escénicas harto exigentes, como, por ejemplo, La Muerte de Danton, que disfrutamos a principios de este año.

Es dentro del ciclo “Trayectos prohibidos” que Juan José Martín retoma su labor de dirección, mostrándonos, sin aprensiones y con denodado acento de hacer lo correcto, cómo un texto como ...feroz puede alcanzar una contundencia y una eficacia dramática propias de un director que sabe emplearse a fondo con las exigencias formales implícitas en el abigarrado discurso dramático generado por la dupla dramatúrgica Aramburo/Anaya. Su trabajo con el espacio (bifrontal y/o ámbito en H) reparte de forma equilibrada sobre un largo rectángulo las fuerzas en choque y acentúa la eliminación de los fondos.

El ámbito reproducido logró sintetizar el confinado y sórdido universo del prostíbulo donde se hallan imbuidas las hermanas Fortún Carrasco enfrentadas a su primo Lupo. Cada parte sugiere significaciones claras: una extrema, la de los baños/refugios de las jóvenes meretrices; otra extrema como espacio de pugnas y resoluciones; finalmente, una central, lugar de jolgorio, baile, encuentro y tramas. Todo el conjunto del espacio dramático se vincula orgánicamente, abriendo la posibilidad de que el drama sitúe a los personajes en acciones lúdicas o dramático expresivas.
La mirada del espectador debe recorrer las líneas de acción y decodificar las situaciones que se plantean: he allí que no debe de resultar sorpresivo que hasta los elevados escenográficos de los baños sirvan de apoyatura a una hiperkinética planta de movimientos que, a final de cuentas, está densificada por lo ceremonial social, por lo ritual de la dominación y por un signo de sacrificio en la caótica imagen de la sumisión. La dimensión del aporte escenográfico y de vestuario, diseñados por Orlando Arocha, marcó de forma flexible las coordenadas del mundo ficcional y prevé con firmeza lo que desde allí de soporte al elemento de teatralidad que el histrión deba construir.

El centro rotor que atrapa la atención del público recae en la efectiva resolución de la planta actoral. Sobre este factor la dirección apuntala su labor de puesta en escena. Mi personal mirada descubre la concreta sensación de una interpretación de cada personaje de manera sólida, efectiva y pertinente. No hay una representación realista-naturalista, sino una intención que revela en cada actriz/actor tanto una expresión anímica como física que valida los cambios dentro de la construcción de cada personaje. La dirección supo sacar a los ojos del espectador cómo cada personaje y cada situación no busca atarse a una pretendida realidad sino más bien a su potencial viabilidad; a mi juicio son como “personajes ideas”, personajes en diálogo que se dejan ver y oír y, desde este eje, adquieren un sentido de credibilidad.

La entrega y desempeño de Migle González (Domitila), Auralena Pisani (Maga), Meche Barrios (Inesita) y de Manuel Fajardo (Lupo) son convincentes en lo formal y atractivos en lo sugerente de sus interpretaciones. Su accionar artístico lució compacto, con intención y con excelentes momentos individuales, lo que implica que manejan con soltura tanto un potencial técnico corpoexpresivo como una cálida soltura escénica que, sencillamente, convence.

...feroz es un espectáculo denso e implacable a los sentidos del espectador. No ofrece concesiones, sino que se dibuja en sí mismo y, desde su particular fisonomía dramática, atrapa o escupe la sensibilidad del receptor. Es una producción cuidada que nos habla de las zonas oscuras del ser y de la cual nos atrevemos a afirmar que se debe confrontar sin lugar a dudas.

Fotos de LAS ASAMBLEÍSTAS (2004)

2005-10-24T21:52:00.000-04:00

Fotos JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR (2005)

2005-10-22T19:28:00.000-04:00

Fotos: Juan José Martín

Ganadora de una Mención Especial del Premio Municipal de Teatro 2004-2005

Mejor Dirección

JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR (2005) - Nota de prensa

2005-10-22T18:33:00.000-04:00

JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR (2005)

En el marco de la culminación del Taller montaje El arte de conversar y la sorpresa del amor, se estrena en la Sala Horacio Peterson del Ateneo de Caracas, la deliciosa e impredecible comedia JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR, del clásico francés Marivaux, con dirección general de Juan José Martín. El montaje se presentará del 13 mayo al 5 de junio, los viernes y los sábados a las 8:00 pm, y los domingos a las 6:00 pm.

JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR es uno de los textos más representados de Marivaux desde su estreno en 1730 por la Comédie Italienne en París. En él, el señor Orgon promete su hija, Silvia, a Dorante, un joven de la burguesía provinciana. Pero Silvia es muy aprensiva, no ve en el matrimonio una razón para alegrarse, y no porque este le haya sido impuesto, sino por la profunda desconfianza que en general siente hacia los hombres y sus máscaras. Así que decide ella misma adoptar una, la de su criada, Lisette, con quien cambia su lugar para observar a su pretendiente sin que él se dé cuenta. Pero Silvia no sabe que Dorante, temeroso ante el matrimonio, ha decidido también intercambiar roles con su criado, Arlequín, con el mismo objetivo que Silvia. Esta situación dará lugar a los más graciosos enredos, con un desenlace sorpresivo en el cual el amor triunfará, a pesar de la dificultad de los cuatro personajes para abandonar sus máscaras.

Seis jóvenes actores, Alexander Rivera, Dubraska Vergara, Fedora Freites, Ricardo Sánchez, Frank Wiese y Robert Chacón, asumen en este trabajo el reto de investigar las vías contemporáneas, sin afectación ni engolamientos, de representar este hermoso y divertido texto, cuya forma dramática se basa en el encuentro conversacional y los más inesperados giros sicológicos, salpicado de referencias a los famosos personajes de la Commedia dell’arte italiana. El lenguaje deliciosamente intrincado, las parejas de enamorados superando mil obstáculos para encontrarse, el juego de fingir ser quien no se es para espiar al amante, y las sorpresas de las emociones, son los ingredientes más atractivos de JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR, texto con el cual Teatro del Contrajuego se reencuentra después de montarlo por primera vez en 1988, con dirección de Orlando Arocha.

JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR cuenta con el diseño de escenografía y vestuario de Dubraska Vergara, el diseño gráfico de Ricardo Nortier, el montaje sonoro de Xavier Agudo, la asesoría en Commedia dell’arte de Mario Sudano, la pintura escénica de Jesús Barrios, y la asesoría artística general de Orlando Arocha.

Juan José Martín - Director de teatro venezolano

2005-10-22T17:55:00.000-04:00

Juan José Martín es director y productor teatral venezolano. Nació en Caracas el 3 de enero de 1977. Estudió en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello, de donde egresó en 1999. Se formó como actor en el Teatro del Contrajuego (Orlando Arocha, Mario Sudano y Julio Bouley, entre otros), y en el Centro de Creación Artística Taller Experimental de Teatro (María Fernanda Ferro, Guillermo Díaz Yuma y Francisco Salazar, entre otros). Ha dirigido Pasos, de Antonio Álamo (Teatro de la Noche, 2001), Galileo, de Bertolt Brecht (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2002), Una petición de mano (Tres miradas a Chéjov), de Antón Chéjov (Centro de Creación Artística TET, 2003, 2004 y 2005), El empresario teatral, de W. A. Mozart (Temporada de Ópera Breve del Ateneo de Caracas, 2003), La almohada mágica de Kantán, de Yukio Mishima (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2004), …feroz, de Diego Aramburo y Johnny Anaya (Teatro del Contrajuego, 2004), Las asambleístas, de Aristófanes (Instituto Universitario de Teatro, 2004), Juego del amor y del azar, de Marivaux (Teatro de la Noche y Teatro del Contrajuego, 2005), Mejor se hubieran quedado en sus casas, güevones, de Rodrigo García (co-dirección de Orlando Arocha y Ricardo Nortier, Teatro del Contrajuego, 2006), Cartas de amor de la monja portuguesa, atribuidas a Mariana Alcoforado (Teatro del Contrajuego, 2006), Yo, Satán, de Antonio Álamo (Teatro del Contrajuego y Centro de Creación Artística TET, 2006-2007) y Vírgenes negras, de Feridun Zaimoglu y Günter Senkel (co-dirección de Guillermo Díaz Yuma, Diana Peñalver, Juan Cordido y Humberto Ortiz, Centro de Creación Artística TET, 2007). Entre los trabajos producidos para Teatro del Contrajuego se encuentran La vida es sueño, de Calderón de la Barca (2000), Por un sí o por un no, de Nathalie Sarraute (2003), La muerte de Danton, de Georg Büchner (2004), y Hamlet, de W. Shakespeare (2005), todos dirigidos por Orlando Arocha. Ha hecho talleres internacionales de crítica teatral (Eduardo Pérez Rasilla, España), de actuación (Mario González, Francia) y dirección (Declan Donnellan, Reino Unido).